BIOGRAFÍA.

José Antonio Corrales Gutiérrez nació en Madrid, España,  en 1921.

A la edad de 27 años, en 1948,  obtuvo el título de Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. El mismo año de terminación de la carrera obtuvo el premio Nacional de Arquitectura con el tema de concurso “Una Ermita en La Mancha”.

Generacionalmente, Corrales se sitúa en un segmento intermedio entre la generación de Miguel Fisac y la de Javier Carvajal. Él quedó adscrito a un grupo denominado por algunos Escuela de Madrid ó Grupo de Madrid, junto con exponentes como Alejandro de la Sota, Asís Cabrero y Francisco Saénz de Oíza, entre otros arquitectos de nombradía y singularizados por lo que se ha conocido académicamente como racionalismo de posguerra (Racionalista del Neoplasticismo), corriente que encontró su auge entre los años 50 y 60 del siglo XX.

En el año 1952 inicia una colaboración con el Arquitecto Ramón Vázquez Molezún. Los dos colaborarían en numerosos proyectos como fue el Pabellón Español en la Exposición Universal de Bruselas en 1958, con el cual obtuvieron el primer premio del Concurso Nacional. Este quipo de Arquitectos Españoles fue uno de los más relevantes y fructíferos de la segunda mitad de siglo XX, representantes de una arquitectura potente, rigurosa y muy expresiva.

En 1961 se convierte en docente en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

Posteriormente y después de un tiempo fuera de la docencia, vuelve en 1981 a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

Fue Académico por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, obtuvo la Medalla de Oro de la Arquitectura en 1992 y al Premio Antonio Camuñas en 2004. En 2001 le fue reconocido de nuevo el Premio Nacional de Arquitectura por la obra realizada en su vida.

Falleció en Madrid el 25 de julio de 2010.

José Antonio Corrales mostró en ocasiones su amargura ante el erosivo envejecimiento que algunos de sus edificios registraron y que atribuía a la desidia, oficial o de particulares, observada en su mantenimiento. No obstante, su arquitectura, signada por un neoplasticismo inspirado en los grandes maestros holandeses pero de gran originalidad y autoctonía, con enorme atención a las innovaciones tecnológicas y al suave dictado de la topografía sobre la tectónica, al paisaje sobre la vivienda; sitúan al arquitecto fallecido entre los más fieles a las mutaciones vividas por su generación y por su época. Laborioso y tesonero en su estudio, muchos de sus colegas han subrayado el entusiasmo “casi adolescente” con el que hasta última hora José Antonio Corrales comparecía a numerosos concursos de proyectos. Por otra parte, formó parte de jurados calificadores de los más importantes emprendimientos arquitectónicos, hecho que confería a los fallos de estos órganos un distintivo de crédito troquelado por su saber y veteranía.

PREMIOS OBTENIDOS.

• 1948 Premio Nacional de Arquitectura.
• 1957 Premio del Pabellón de Información del Ayuntamiento de Madrid.
• 1958 Premio del Pabellón Español en la Exposición Universal de Bruselas.
• Premio Círculo de Estúdios de Arquitectura de Paris.
• 1960 Premio Urbanización Huerta del Rey.
• 1992 Medalla de Oro de la Arquitectura (CSAE).
• 1999 Premio Arquitectura Fundación CEOE.
• 2004 Premio António Camuñas de Arquitectura.
• 2001 Premio Nacional de Arquitectura.

PROYECTOS MÁS IMPORTANTES.

Su obra fue amplísima y abarcó actuaciones como;

• El proyecto de Biblioteca Pública para la ciudad de Teherán, capital iraní, que la caída del sha Reza Pahlevi, en 1979, impidió construir.
• El Pabellón de España en la Exposición Internacional de Bruselas, en 1958, una propuesta a base de hexágonos adheridos que posteriormente fue rehecha en el recinto de la Feria del Campo de Madrid, donde esta original construcción languidece.
• Otra de sus obras fue la urbanización Elviña, en A Coruña, la cual solapó un complejo residencial a la ataludada topografía del paisaje elegido para edificarla. Algunas voces coruñesas han denunciado el estado de supuesto abandono en que esta urbanización, tremendamente vanguardista en su época, se encuentra hoy tras varias actuaciones que han desintegrado algunos de sus componentes tectónicos.
• Pueblo de colonización Llanos del Sotillo en Andújar (Jaén).
• Galería de Exposiciones Theoespacio en 1990.
• ELOGIO de la luz [vídeo] : un viaje por la arquitectura española contemporánea / director: Juan Manuel Martín de Blas.
• Murado, Clara. Grupo de viviendas en Valdebernardo Norte, parcelas 7,8,9 y 10 en 1996.
• Residencia de Miraflores de la Sierra (Madrid)
• Sede de la editorial Reader’s Digest (Madrid)
• Casas unifamiliares del constructor Huarte (Madrid)
• Casa Huarte (Madrid)
• Casa del escritor Camilo José Cela (Palma de Mallorca)
• Parador de Turismo de Sotogrande (Cádiz)

Con Vázquez Molezún, Corrales fue asimismo autor de numerosos proyectos que se encuentran descritos en el Blog Corrales y Molezún.

ENLACES DE INTERÉS.

• www.arquitecturaviva.com/Info/News/Details/2151
• www.rtve.es/alacarta/videos/elogio-de-la-luz/elogio-luz-jose-antonio-corrales-voluntad-indomable/1551010/
• www.españaescultura.es/es/artistas_creadores/jose_antonio_corrales_gutierrez.html

(Santiago Calatrava Valls; Benimamet, Valencia, 1951)

Arquitecto español. Considerado como uno de los arquitectos más creativos del momento, los diseños de Calatrava se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

Inicia estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Burjasot, España.
Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, España.
Título de arquitecto en la ETSA de Valencia, España.
Estudia ingeniería en la ETH de Zúrich, Suiza.
Doctor en ciencias técnicas por el Departamento de Arquitectura de la ETH, Zúrich, Suiza.
Oficina de Arquitectura e ingeniería en Zúrich, Suiza.

Tras asistir a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes y Oficios de Burjasot,  Santiago Calatrava inició en 1969 la carrera de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, donde se graduó en 1973.

Al poco tiempo se trasladó a Suiza, para estudiar Ingeniería civil en la célebre Escuela Politécnica Federal de Zúrich (ETHZ, por sus iniciales en alemán), considerada una de las mejores universidades científico-tecnológicas del mundo. Entre 1979 y 1981 se doctoró allí en Ciencias Técnicas con la tesis Acerca de la plegabilidad de las estructuras y ejerció asimismo la actividad docente.

En 1981 abrió su primer estudio de arquitectura e ingeniería civil en Zúrich. Afiliado en 1987 a la Unión de Arquitectos Suizos (BSA), recibió el premio Auguste Perret UIA (Unión Internacional de Arquitectos) de París; en esta ciudad estableció un segundo estudio en 1989, mientras se realizaba la primera exposición monográfica de su obra en la Universidad de Columbia, en Nueva York, a la que seguiría una serie interminable de muestras similares en instituciones de todo el mundo.

Toyo Ito nació en Seúl, Corea del Sur, el 1 de Junio de 1941.

Su padre era un hombre de negocios interesado en la cerámica de la dinastía Yi de Corea. En 1943 regresaron a Japón junto con su padre y sus dos hermanas, y en 1953 se produjo el fallecimiento de su padre, cuando Toyo Ito tenía 12 años. Desde entonces, la familia regentó una factoría de sopa miso. Hasta que empezó sus estudios universitarios nunca se interesó por la arquitectura.

En 1965 Toyo Ito  se graduó en la Universidad de Tokio en el departamento de Arquitectura.

Su carrera profesional se inició en Kiyonori Kikutake Arquitecto y Asociados, donde trabajo desde 1965 hasta 1969 junto con Itsuke Hasegawa. Fue en 1971 donde inició sus andaduras individualmente montando su propio estudio en Tokio, llamado Urbot (Urban Robot). No fue hasta 1979 cuando cambio el nombre del estudio al de Toyo Ito & Associates.

La Oficina de Toyo Ito es conocida como un lugar de entrenamiento para talentosos arquitectos más jóvenes. Algunos de los arquitectos que trabajaron allí anteriormente son Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA), Astrid Klein y Mark Dytham (KDa), Fukushima Katsuya, Yokomizo Makoto, y Akihisa Hirata.

Sus primeros proyectos, como la “Casa de Aluminio” eran estructuras de madera recubiertas de ese metal. La casa que hizo para su hermana, la “White U” en 1976 fue el edificio que le hizo célebre. Sus construcciones trataban de destruir la predictibilidad.

En sus comienzos desarrolló obras modernas, mediante el uso de materiales industriales para construir estructuras ligeras, como tubos, mallas expandidas, aluminio perforado, láminas y telas permeables. Aunque en la mayoría de sus últimos trabajos ha utilizado el hormigón armado.

La construcción de la “Mediateca de Sendai”, en dicha ciudad japonesa fue probablemente el edificio que le consagró por la innovación estructural que contenía.

A lo largo de su carrera Ito construido numerosos proyectos de vivienda privados que expresaban los aspectos de la vida urbana en Japón. Sus más notables aportes conceptuales iniciales se hicieron a través de proyectos de esta envergadura, como la “White U” y “Silver Hut” en 1984.

Con el “Pao” para los proyectos de viviendas para la Mujer Nómada de Tokio en 1985 y 1989, Ito presentó una visión de la vida de un nómada urbano, ilustrativo de estilos de vida típicos durante el período burbuja económica en Japón.

La “Torre de los Vientos” en 1986 y el “Huevo de los Vientos” 1991 son hitos interactivos en espacios públicos, como resultado de una interpretación creativa de las actuales posibilidades técnicas. Mientras que su función es en realidad tomas de salida de aire para el sistema de metro, su importancia radica en el tratamiento de Ito a su opacidad, una de las señas de identidad de su obra. Mientras que aparece sólido durante el día, las estructuras de aluminio perforado “se disuelven” en la noche mediante el uso de sistemas de luz controlados por ordenador que forman una pantalla interactiva que representa los datos medidos, tales como los niveles de ruido en sus proximidades circundante.

Ito se interesa por las relaciones entre habitaciones, exterior e interior, y los edificios y sus alrededores. Su trabajo se inspira en los principios de la naturaleza, como lo demuestra la unidad conseguida entre estructuras orgánicas, superficies y revestimientos.

Además sus diseños se ven influidos por su sentido de la responsabilidad pública porque siempre ha defendido que la arquitectura no sólo debe responder a las necesidades físicas, sino también a los sentidos.

Ito se esfuerza por lograr una arquitectura fluida alejada de las limitaciones de la arquitectura moderna. Lo que se aprecia en “la Mediateca de Sendai” en el 2000, por el uso de tubos estructurales que crean nuevas cualidades espaciales interiores.

A lo largo de su carrera, Toyo Ito ha sido capaz de producir una obra que combina la innovación conceptual con edificios magníficamente ejecutados. Su arquitectura excepcional ha mantenido durante más de 40 años su excelencia, en proyectos diferentes como bibliotecas, casas, parques, teatros, tiendas, edificios de oficinas y pabellones, siempre tratando de ampliar las posibilidades de la arquitectura.

Ito es  un profesional de talento único, que ha ido desarrollado y perfeccionado una sintaxis arquitectónica personal que combina el ingenio estructural y la técnica con gran claridad formal. Sus formas no obedecen a enfoques minimalistas o paramétricos, ha dado siempre importancia al hecho de que diferentes circunstancias conducen a respuestas diferentes. Sin ataduras estilísticas.

La innovación es una palabra frecuente para describir las obras Toyo Ito. Esto es evidente en el “pabellón temporal creado en Brujas” en 2002 y el edificio “TOD’S” en Tokio en 2004, en los que la fachada, la piel del edificio, también sirve como estructura.  Así como la abundancia de nuevas tecnologías en proyectos como el de la “Cúpula de Odate” (Japón) o la “Torre de los Vientos” de Yokohama.

A sus 71 años, el arquitecto japonés “es un creador de edificios atemporales, con los que audazmente propone nuevos caminos. Su arquitectura proyecta un aire de optimismo, ligereza y alegría, y está impregnada de un sentido de unicidad y universalidad“. “Su síntesis de la estructura, espacio y forma que crea lugares acogedores, su sensibilidad al paisaje, infundir sus diseños con una dimensión espiritual y  la poética que trasciende todas sus obras“. (Lord Peter Palumbo).

Son ejemplos de su arquitectura pública el “Tanatorio de Gifu” en 2006, la “Biblioteca Universitaria Tama Art” de Tokio en 2007 o el “Pabellón de la Serpentine Gallery”, en Londres en 2002.

O su trabajo para construir pequeños espacios comunales para los afectados por el terremoto en Japón en 2011, una “expresión directa de su sentido de responsabilidad social“.

En ese contexto de responsabilidad se inscribe su trabajo en la educación de futuros arquitectos, especialmente en su oficina, como ya hemos comentado anteriormente, que es como una escuela donde los jóvenes arquitectos van a trabajar y aprender.

“Es un pionero que anima a otros a beneficiarse de sus descubrimientos y a que avancen en sus propias direcciones. En ese sentido es un verdadero maestro que produce oxígeno más que consumirlo“.

El trabajo de Ito a menudo se dice que tienen afinidades con las ideas de filósofos como Munesuke Mita y Gilles Deleuze.

Ito ha definido la arquitectura como “ropa” para la población urbana, sobre todo en la metrópolis japonesa contemporánea. Este tema se centra en el equilibrio entre la vida privada y el área metropolitana, “público” la vida de un individuo.

La actual arquitectura de Toyo Ito desarrolla su trabajo, producido durante el periodo posmoderno, agresivamente la exploración de las potencialidades de las nuevas formas. De este modo, trata de encontrar nuevas condiciones espaciales que manifiestan la filosofía del ser sin márgenes.

El trabajo de Toyo Ito ha sido exhibido ampliamente en numerosos museos galerías de arte y vídeos.

Ito diseñó la “Exposición Berlin-Tokyo” en 2006 en la Neue Nationalgalerie de Berlín. El diseño incluyó un paisaje suave y ondulado que ocupaba casi la totalidad del espacio del museo principal de la exposición. Esta exposición, en colaboración con el Museo de Arte Mori, fue una de las empresas más importantes en la historia del museo. Una gran retrospectiva de la obra de Ito fue mostrado en el Tokyo Galería Opera City Art en 2006 como Toyo Ito. The New “Real” en la arquitectura.

Ito tiene una cátedra en la Universidad de Mujeres de Japón. Él es también profesor honorario de la Universidad de North London y ha sido profesor invitado en la Universidad de Columbia. Es profesor en la Universidad de Arte Tama como profesor visitante.

Su nombre se relaciona en España con intervenciones de espacios públicos. Entre estos se encuentra “el Parque de la Gavia de Vallecas”, en Madrid; el “proyecto Parque Oeste”, de Murcia o el inacabado “Parque de la Relajación”, de Torrevieja. Pese a la paralización de algunos de sus proyectos, la falta de información y los problemas burocráticos, Toyo Ito espera seguir trabajando en España.

Conocido como “el nuevo Antoni Gaudí”, Toyo Ito es autor también de la torre que, junto a la del Hotel Porta Fira, forma las llamadas “Torres Fira”. Esta segunda torre, de planta más tradicional, es completamente de cristal y parece que dentro de ella hubiera alguna estructura de color rojo. Asimismo, es el responsable de la ampliación del recinto de “Gran Vía de Fira de Barcelona”, que incluye el nuevo vestíbulo de acceso, los pabellones 1, 5, 7 y 8, la pasarela que recorre y enlaza todos los edificios del complejo y el auditorio, así como de la estación del metro Fira 2 (L’Hospitalet) y Foc-Cisell (Barcelona).

El japonés Toyo Ito ha sido galardonado con el premio Pritzker de Arquitectura 2013 por una obra “que combina innovación conceptual con edificios soberbiamente ejecutados“, por una arquitectura “excepcional” y por “la dimensión espiritual y poética que transciende de todas sus obras“.

Al conocer la concesión del premio, Ito señaló: “La arquitectura está limitada por diversas restricciones sociales. He diseñado arquitectura pensando en que conseguir espacios más cómodos más allá de esas restricciones“.

“Sin embargo, cuando se acaba un edificio me doy dolorosamente cuenta de mi propia insuficiencia, lo que se convierte en energía para el desafío del siguiente proyecto“. Por tanto, agregó: “nunca fijaré mi estilo arquitectónico y nunca estaré totalmente satisfecho de mi trabajo“.

El 29 de Mayo de 2013, Toyo Ito obtuvo el premio Pritzker de Arquitectura. Nada más conocer la noticia, Toyo Ito declaró que “la arquitectura está limitada por diversas cuestiones sociales. He diseñado mis proyectos arquitectónicos con el objetivo mentalmente asumido de que podría crear espacios más confortables si pudiera liberarme de esas restricciones de vez en cuando. Sin embargo, cuando acabo un edificio, inmediatamente me asalta la dolorosa impresión de mi propia insuficiencia, algo que irremisiblemente se transforma en energía para afrontar mi siguiente proyecto. Probablemente sea siempre así, y la misma sensación se repita en un futuro. Así que es probable que nunca fije mi propio estilo porque nunca estaré satisfecho con mis obras“.

PREMIOS Y GALARDONES OBTENIDOS.

De entre los numerosos premios y distinciones honoríficas obtenidas por Toyo Ito, haremos mención a aquellos más relevantes:

• 1986 – Instituto de Arquitectura Premio de Japón para Plata Cabaña.
• 1992 – 33a Mainichi Art Award para Yatsushiro Museo Municipal.
• 1997 – Interach IAA ”97′ Grand Prix de la Unión de Arquitectos en Bulgaria, Medalla de Oro.
• 1998 – Fomento de la ministra de Educación de Arte Premio en Japón
• 2000 – Arnold W. Brunner Memorial Prize en arquitectura de la Academia Americana de las Artes y las Letras.
•  2001 – Premio de Oro de los japoneses Good Design Award.
•  2005 – RIBA Royal Gold Medal.
• 2006 – Primer Premio “Concurso Internacional de Ópera de Taichung” en Taiwán.
•  2008 – Frederick Kiesler Premio de Arquitectura y Artes.
•  2013 – Premio Pritzker de Arquitectura.

PROYECTOS MÁS IMPORTANTES.

Durante su trayectoria profesional son muchas las obras y proyectos realizados a lo largo de toda su carrera profesional, aquí recogeremos las realizadas de mayor trascendencia.

Su obra es amplísima y abarca actuaciones como;

• 1976 – La Casa U. Construida para su hermana, cuyo marido había fallecido recientemente, es una estructura de hormigón armado en forma de herradura. El interior tubular se distinguía por su color blanco puro. La gradación de la luz natural otorgaba una suave tonalidad al interior, yuxtaponiéndose con la luminosidad del patio.

Con la excepción de una gran apertura hacia el patio, las aperturas en las paredes eran pocas y pequeñas. Los visitantes acostumbraban a compararla con una cámara subterránea.

Constituye el ejemplo más radical de la arquitectura que Ito desarrolló entre los 70 y los comienzos de los 80, con edificios «prácticamente sellados por paredes blancas».

Casa U. 1976. Tokio.

• 1984 – Silver Hut (casa de Ito, junto a White U).
• 1986 – Torre de los Vientos, Yokohama. Ito contextualiza esta obra dentro de la «atmósfera de fugacidad» que impregnaba Tokio durante la segunda mitad de los 80, cénit de la burbuja económica japonesa. “La gente recorría las calles en un estupor consumista, se erigían y se demolían edificios a toda velocidad.” Su instalación «Tokyo Nomad’s Girl Yut» surgía como una reflexión de ese estado.

En la Torre de los Vientos, Ito rehabilitó una torre de ventilación situada sobre un centro comercial subterráneo. Se trataba de un volumen cilíndrico recubierto de paneles de aluminio que, de noche, se iluminaba y transformaba su sólida materialidad diurna en una apariencia etérea, extravagante y efímera. Toyo Ito representa su deseo de “transformar el aire mismo en luz”, mediante la incorporación de un programa informático, conectado a un sistema de iluminación.

Torre de los Vientos. 1986.  Yokohama.

• 1991 – Museo Municipal de Yatsushiro.
• 1994 – Residencia de ancianos en Yatsushiro.
• 2000 – Parque de la relajación en Torrevieja, Alicante. España. (Sin terminar).
• 2001 – Mediateca de Sendai: un complejo multi-función de la acogida de un programa mixto de biblioteca, galería de arte, biblioteca audio-visual, estudio de cine y cafetería. Fue un concurso elegido ganador en 1995 de entre 235 propuestas de la competencia. Ampliamente reconocido como uno de los trabajos seminales de Ito. Un punto crucial en su trayectoria, como culminación de conceptos desarrollados a lo largo de años precedentes y punto de apertura hacia otras direcciones. El proyecto partió de la determinación de sintetizar estos usos en un edificio rompiendo con las formas convencionales de museo o biblioteca. Una estructura simple caracterizada por la transparencia, constituida mediante grandes losas de hormigón atravesadas verticalmente por trece columnas formadas por tuberías de acero.

 2001. Mediateca de Sendai.

• 2002 – Pabellón temporal de la Serpentine Gallery, en los jardines de Kensington, Londres. Es uno de sus proyectos principales, que construyó con carácter temporal y que se utilizó como cafetería y sala de actos. El volumen descrito por las celosías es un paralelepípedo estricto, pero su ortogonalidad pasa casi desapercibida debido a la descomposición de las superficies. La vista desde el interior producida por el sinfín de irregulares ventanas que lo compone produce un efecto realmente peculiar. Serpentine Gallery Pavilion, Londres. La Serpentine Gallery Pavilion parecía ser un patrón aleatorio complejo que resultó, tras un examen cuidadoso, que deriva de un algoritmo de un cubo que se expande como rotación. Los triángulos de numerosos trapecios formados por este sistema de líneas de intersección eran transparentes o translúcidos, dando una sensación de infinito movimiento repetido. De día, el pabellón fue una cafetería, por la noche un lugar para conferencias, debates, fiestas y películas.

2002. Pabellón temporal de la Serpentine Gallery. Londres.

• 2002 – Pabellón Brujas.
• 2004 – Nueva Biblioteca para la Universidad de Arte de Tama, Hachioji, Japón.
• 2004 – Matsumoto Performing Art Center, Matsumoto.
• 2004 – Tod Omotesando Building, Tokyo. Las fachadas de TOD’s son acristaladas y están recorridas por una estructura exterior irregular de hormigón armado pintado de blanco (color muy utilizado por este arquitecto) basada en la forma de las ramas de una árbol entrelazándose y que en los huecos que genera aparece de forma salteada las ventanas, las cuales van variando en forma.

 2004. Tod Omotesando Building. Tokyo.

• 2004 – Edificio Mikimoto Ginza 2, Tokio, Japón. El estudio de Ito poseía poca experiencia en el campo del diseño de locales para firmas comerciales. Éste, así como el edificio TOD’s Omotesando, se caracterizan por hacer del sistema estructural el factor que dota de expresión a la fachada. El exterior de este edificio de 9 plantas y una planta rectangular de 17×14 metros se caracteriza por las aperturas irregulares realizadas sobre el hormigón, marcando una intensa presencia del edificio en su entorno urbano. El proceso de construcción requirió una extrema precisión que, paradójicamente, señala Ito, no descansó en la capacidad de los ordenadores sino en la precisión de los artesanos-constructores.

 2004. Edificio Mikimoto Ginza 2. Tokio.

• 2006 – Japón Meiso no Mori Municipal Funeral Hall de Kakamigahara-shi, Gifu.
• 2006 – VivoCity Singapur en HarbourFront.
• 2007 – Biblioteca de la Tama Art University, Tokio.
• 2007 – Parque de la Gavia. En Madrid.
• 2008 – Estadio de los Juegos Mundiales en Kaohsiung, Taiwan
• 2008 – Villa para Ochoalcubo chileno proyecto arquitectónico.
• 2008 – Copa de Vino enorme en Pescara (roto después de 64 días a partir de inauguración por el trabajo realizado de manera descuidada por Clax compañía Italia.
• 2008 – Ampliación de la Fira de Barcelona, España
• 2009 – Chorro de agua en Pescara.
• 2009 – Edificio Suites Avenue, Barcelona, España. El arquitecto japonés, que se ha confesado “enamorado de Gaudí“, ha señalado que “costó bastante conseguir la licencia” precisamente por el carácter de homenaje al “maestro” de la fachada que él ha proyectado. Toyo Ito ha señalado que con este siglo XXI ha empezado “una época de arquitectura más orgánica” y que para él sería un gran honor que este edificio en el paseo de Gracia se convierta “en un símbolo de este siglo que está empezando“. Acoge 42 apartamentos de lujo equipados con lo último en domótica, aunque Ito ha intervenido únicamente en la fachada, que sigue las líneas onduladas de La Pedrera y se compone de una serie de franjas de acero nacaradas que reflejan diferentes tonalidades de color a lo largo del día.

2009. Edificio Suites Avenue. Barcelona. España.

• 2009 – Torre Realia BCN y el Hotel Porta Fira, L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, España.
• 2011 – Museo de Arquitectura, Imabari-shi, Ehime, Japón. Imabari es la localidad de origen de Kenzo Tange, figura fundamental en la arquitectura japonesa del siglo XX. Este factor hizo dudar a Ito sobre si aceptar el que esta institución, nacida tras su propuesta para crear allí una escuela de arquitectura, fuera bautizada con su nombre.  El museo consta de dos edificios individuales: la Cabaña de Acero y la Cabaña de Plata. El término cabaña quiere referirse a temas primordiales de la arquitectura. La primera, formada con combinaciones de cuatro tipos distintos de volúmenes poliédricos y sin apenas aperturas, acoge espacios expositivos y la segunda, reconstrucción de la vivienda particular que Ito se construyó en Nanako en 1984, acoge talleres y salas de debate.

2011. Museo de Arquitectura, Imabari-shi. Ehime. Japón

• 2011 – Ken Iwata Madre y el Niño Museum, Imabari, Ehime, Japón.

 ENLACES Y BIOGRAFÍA DE INTERES.

• http://www.toyo-ito.co.jp/
• http://www.abc.es/cultura/arte/20130318/abci-toyo-cinco-proyectos-201303172140_1.html
• http://www.descubrirelarte.es/2013/03/19/toyo-ito-la-arquitectura-tiene-que-ser-mas-libre.html
• http://www.archdaily.com/tag/toyo-ito
• http://www.youtube.com/watch?v=NZJSjTIm2Uk&feature=player_embedded
• http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=T95VluVXVpY
• http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=s48eEBc6WOk
• http://www.urbanity.es/2013/el-japones-toyo-ito-gana-el-prestigioso-premio-pritzker-de-arquitectura-2013/
• http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=cspi9uLrRTo
• http://www.bilbaoarchitecture.com/toyo-ito-premio-pritzker-2013/
• http://vimeo.com/48937196

BIOGRAFÍA.

José Rafael Moneo nació en la pequeña ciudad de Tudela, Navarra, España, el 9 de mayo de 1937.

Su madre, Teresa, era la hija de un magistrado de Aragón. Su padre, Rafael, cuyas raíces familiares se encontraban en Tudela, trabajó allí toda su vida como ingeniero industrial. Tiene una hermana, Teresa, que estudió filosofía y literatura. Su difunto hermano, Mariano, estudió ingeniería.

Moneo confiesa que a medida que crecía, se sintió atraído primero a la filosofía y la pintura, él no tenía una clara vocación de ser arquitecto, pero atribuye su inclinación hacia la arquitectura por el interés de su padre en el tema. No sin cierta dificultad, dejó sus estrechos lazos familiares en 1954 para ir a Madrid a estudiar arquitectura.

Obtuvo el título de arquitecto en 1961 en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Madrid. Él acredita a su profesor de historia de la arquitectura, Leopoldo Torres Balbás la influencia que en gran medida le aporto. Cuando todavía era estudiante, trabajó con el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. Moneo decía:

“Yo quería ser arquitecto de la misma manera que Oiza, con todo el entusiasmo profesado por él en su trabajo.”

Cuando Moneo completó sus estudios, fue a Hellebaeck, Dinamarca, para trabajar con Jorn Utzon,” a quien yo vi “, dice Moneo,” como el legítimo heredero de los grandes maestros de la época heroica“. Utzon estaba trabajando en el diseño del Teatro de la Opera de Sydney en Australia. Antes de regresar a España en el año 1962, Moneo dice, “Viajé alrededor de los países escandinavos, donde tuve la fortuna suficiente como para ser recibido por Alvar Aalto en Helsinki.”

Una vez de vuelta en Madrid, Moneo ganó un concurso para cubrir una de las plazas de arquitecto en la Academia de España en Roma, Italia. Él fue capaz de combinar su viaje a Roma con una luna de miel con su nueva esposa, Belén Feduchi, hija del arquitecto Luis Feduchi. “Fue maravilloso“, dice Moneo, “estar en Roma, con ella, una persona que compartió mi entusiasmo por la arquitectura sin ser arquitecto.” Bajo una beca de dos años, se quedó en la Academia Española en Roma, un período que él llama “fundamental para mi carrera. Me permitió estudiar, viajar, visitar las escuelas, conocer Zevi, Tafuri, Portoghesi, y otros, pero más que nada, para tener un conocimiento de la gran ciudad produjo un gran impacto en mi formación como arquitecto. La vida en la academia nos permitió establecer grandes amistades con músicos, pintores y escultores“. Este periodo de su vida tuvo una gran influencia sobre su trabajo posterior.

A su regreso a Madrid en 1965, se establecieron en una casa-estudio en el barrio madrileño de El Viso y fueron bendecidos con su primera hija, Belén. Ese año mismo, él recibió su primer trabajo importante, diseñar la Fábrica de Diestre en Zaragoza. Al año siguiente, comenzó a enseñar en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Madrid, así como la publicación de artículos sobre la arquitectura. Durante esos años, participó activamente en las reuniones de los arquitectos que llamaron “Congresos pequeños” que fueron atendidos por los arquitectos españoles más activos. Entre ellos se encontraban Carlos de Miguel, Oiza, Molezún, Corrales, Garcia de Paredes, etc de Madrid, y Bohigas Oriol, Correa Federico, Tusquets, Clotet, Bonet, etc de Barcelona. Otros arquitectos extranjeros que asistieron, como Alvaro Siza de Portugal, Aldo Rossi de Italia, (ambos de los cuales más tarde fueron galardonados Pritzker), así como Peter Eisenman de los Estados Unidos y Gregotti. De estos encuentros, Moneo dice, “una nueva fase de la vida arquitectónica en España se inició“.

En 1968, recibió su segundo encargo importante, el Proyecto Urumea, un edificio de apartamentos en San Sebastián. También fue el año del nacimiento de su segunda hija, Teresa. Su tercera hija, Clara Matilde, iba a nacer en 1975.

Él describe este período con sus propias palabras: “La vida en las escuelas durante esos años era difícil, la agitación estudiantil de 1968, y la inestabilidad política durante los últimos años del franquismo, contribuyó a hacer la actividad académica precaria. Fue una batalla tratar de hacer que los estudiantes entendiesen la arquitectura como interesante, pero esto ha ido cambiado poco a poco. Fue durante este tiempo que con un grupo de arquitectos, fundé la revista Arquitectura Bis, donde muchos de mis escritos fueron publicados”.

En 1972 ganó la Cátedra de Elementos de Composición en la ETSAB, lo que le llevó a vivir durante casi diez años en Barcelona.

En 1973 Moneo había establecido su propio despacho en Madrid, compaginando desde entonces por un igual el diseño arquitectónico con la enseñanza. En ambas actividades denunció la tendencia moderna de crear edificios con criterios de corto plazo, y defendió el diseño de obras que puedan mantenerse actuales durante un largo tiempo, a modo de monumentos. En la línea de lo que ha sido llamado el racionalismo contextual, Moneo no sigue las corrientes de utilitarismo y expresionismo europeas, sino que refleja en sus obras una versión suavizada del estilo nórdico y de la tradición holandesa. A todo ello, Moneo suma su propia visión de la arquitectura histórica. Las obras de los años 60 son las que reflejan mejor estas ideas

En 1974, recibió su primer encargo para un trabajo en Madrid, el edificio de Bankinter Office, que se llevó a cabo en colaboración con Ramón Bescós. Poco después, fue el encargado de diseñar el Ayuntamiento de Logroño. “Estas dos obras me permitieron expresar claramente la visión arquitectónica“, dice Moneo. En 1976 Moneo fue invitado a los Estados Unidos como profesor visitante por un año en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos y enseñar en la Escuela de Arquitectura de la Cooper Union, en Nueva York. “La experiencia para toda la familia estaba marcando profundamente nuestras vidas, con exposiciones, conferencias, concertsand“. Durante los años siguientes impartió clases también en Princeton y Harvard y en el departamento de Arquitectura de la Escuela Politécnica Federal de Lausana (Suiza).

Cuando se trasladaron a Madrid, ellos estaban totalmente absorbidos por la vida de allí. Su esposa, Belén Feduchi desempeño un papel importante en las actividades relacionadas con su fundación de BD Madrid, una compañía dedicada al diseño y la promoción de los muebles  contemporáneos.

Fue durante este mismo período, finales de los setenta y principios de los ochenta, que se convirtió en profesor visitante en las escuelas de arquitectura tanto de universidades de Princeton y Harvard, así como la Universidad de Lausanne, Suiza.

En 1980 obtuvo la cátedra como profesor en la Escuela de Arquitectura de Madrid durante cinco años. En ese momento, recibió el encargo del Museo de Arte Romano de Mérida. Dos años más tarde, la Previsión Española de Construcciones en Sevilla se convertiría también en su proyecto.

En 1984 Moneo fue nombrado Decano del departamento de arquitectura de la Escuela de Graduados de la Universidad de Harvard Design, una posición que él llevó a cabo hasta 1990. Él y su familia se mudaron a Cambridge, donde vivió por cinco años.

Durante ese tiempo, Moneo impartió la conferencia Gropius en 1990, en la que habló de sus puntos de vista sobre la arquitectura americana. Uno de sus principios era, “No es posible hoy en día que presente una definición única de la arquitectura. La comprensión de hoy del concepto de la arquitectura, como probablemente sucede con el concepto de la pintura o la escultura, no solo incluye lo que la arquitectura era antes, sino que abarca también muchos otros intentos marginales y no tan marginales para reaccionar arquitectónicamente a las diferentes circunstancias.”, Lo que le llevó a explorar los conceptos de necesidad y contingencia en la arquitectura. Señaló que un campo en que se necesita la arquitectura es en la ciudad, “donde la arquitectura utiliza para su manifiesto todo su esplendor, donde todavía se necesita con urgencia la disciplina”. Mientras que lamentar el hecho de que aquellos que se preocupan por la arquitectura se han reducido en gran medida.

En una anterior conferencia de Kenzo Tange en Harvard, Moneo habló de que la arquitectura había perdido la importancia que tuvo en la sociedad del pasado, diciendo: ” Víctor Hugo dijo que los libros habían matado la arquitectura, que no era del todo cierto entonces, pero parece que hoy en día podríamos decir que la masa de los medios de comunicación ha reducido la relevancia de la arquitectura”. En efecto, él está señalando el hecho de que la arquitectura ya no es vital. Él animaba a sus estudiantes a ser ” los responsables de los edificios”.

Insiste en que los edificios no son “el resultado de un proceso ni la materialización de un dibujo” definitivamente no es la propiedad exclusiva del arquitecto. “Una vez completado“, continuó, “los edificios adquieren una vida propia. De todas las artes figurativas o plásticas, la arquitectura es probablemente aquella en la que la distancia entre el artista y su obra es la más grande… la arquitectura implica la distancia, de modo que al final el trabajo se queda solo, autoportante… una obra de arquitectura, si tiene éxito, puede borrar al arquitecto“.

Durante su estancia en Harvard, viajó a España casi todos los meses para desarrollar el proyecto de la estación de Atocha que ganó en un concurso, casi simultáneamente con su nombramiento universitario. Él dijo: “Los años en Harvard fueron intensos, sobre todo para alguien como yo, que ha dedicado gran parte de su vida profesional a la enseñanza”. A pesar de que le hubiera gustado prolongar su estancia en Harvard, los preparativos para la celebración de España` 92 trajo nuevos proyectos para su estudio: el Aeropuerto de San Pablo en Sevilla, la remodelación del Palacio de Villahermosa para albergar la colección de arte Thyssen-Bornemisza, y el edificio Diagonal en Barcelona, siendo esta última una colaboración con Manuel de Solá-Morales.

De regreso a España en 1990, con todos estos proyectos nuevos, trasladó su estudio de su casa a un edificio separado unos 500 metros de distancia. Ganó los concursos de otros dos proyectos más: la Sala de Conciertos del Centro Cultural Kursaal  de San Sebastián y el Museo de Arte y Arquitectura de Estocolmo. Durante estos años, su difunto hermano, se unió a la empresa que realizó los cálculos estructurales de los muchos de sus proyectos.

Sus lazos con la Universidad de Harvard continuaron tras su nombramiento como profesor en 1991, enseñando allí durante dos semanas cada semestre.

Las actividades de Moneo en la enseñanza se han extendido a numerosos simposios y conferencias impertidas en, entre otras instituciones en los Estados Unidos, las universidades de Chicago, Columbia, Princeton, Yale, Tulane, Rhode Island School of Design, en Inglaterra, en la Architectural Association School y los Reales Institute of Architects en Londres, y la Universidad de Cambridge, Facultad de Arquitectura, y en Japón en la Universidad Nihon, la Academia de Bellas Artes de Viena, Austria, la Academia Real de Copenhague, Dinamarca, el Museo del Louvre en París, Francia, y Pontificia Universidad de Chile, en Santiago.

Al mismo tiempo, Moneo ha desarrollado una extensa labor como crítico y teórico de la arquitectura. La mayoría de los textos recogidos fueron publicados por primera vez en “Oppositions” y revistas como “Lotus” y “Arquitectura Bis”.

Entre otras de sus obras en España no mencionadas son los siguientes: las oficinas centrales del Banco de España, Jaén (1982-88); Proyectos en Madrid, como la Asociación de Arquitectura de Tarragona edificio (1983-92). En Palma de Mallorca (1987-1992), el Pilar y Joan Miró Foundation, en Barcelona el Refectorio del Monasterio de Santa María de Guadalupe (1991-94).

Moneo dice “La Arquitectura pertenece al sitio. La arquitectura debe ser apropiada, que significa que debe reconocer de alguna manera los atributos del lugar. Entender lo que estos atributos son, escuchar cómo se manifiestan, esto debe ser el primer movimiento del arquitecto al comenzar a pensar en un edificio”.

En 1992 Rafael Moneo fue galardonado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Gobierno Español, y fue distinguido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Lovaina, en febrero de 1993. En mayo de 1993 Rafael Moneo recibió el Arnold W. Brunner Memorial Prize en Arquitectura por la Academia Americana de las Artes y las Letras, y en junio de 1993, el Premio Príncipe de Viana del Gobierno de la Provincia de Navarra (España). En noviembre de 1993 fue galardonado con el Premio Schock de 1993 en las Artes Visuales de la Fundación Schock y la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo. En abril de 1994 recibió una Laurea ad Honorem de la Escuela de Arquitectura de Venecia.

Moneo es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias y la Academia di San Luca di Roma. Él es un miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos y el Instituto Real de Arquitectos Británicos.

En 1996 es galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura y la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura de Francia y la Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos.

En 1997 es nombrado Académico Numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y recibe el título de Doctor Honorario de Tecnología del Real Instituto de Tecnología de Estocolmo. En 1998 recibe el Premio Feltrinelli de le Academia Nazionale dei Lincei, en Roma. Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, de la Academia de San Lucas de Roma y de la Real Academia Sueca de las Bellas Artes. Desde 2007 también es miembro de número de Jakiunde, Academia de las Ciencias, de las Artes y de las Letras del País Vasco. Es Miembro Honorífico del Instituto Americano de Arquitectos y del Real Instituto de Arquitectos Británicos. Moneo dice buscar con su arquitectura la durabilidad y el diálogo con la evolución histórica. Según Moneo al arquitecto le corresponde encontrar en cada época los elementos y modelos que la transforman para adaptarla a las necesidades de las épocas que transcurren. Moneo sigue siendo considerado por numerosas personas uno de los grandes arquitectos españoles contemporáneos. En 2001 gana el Premio Mies van der Rohe. En 2012 es galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

PREMIOS Y GALARDONES OBTENIDOS.

De entre los numerosos premios y distinciones honoríficas obtenidas por Rafael Moneo, algunos ya mencionados en su biografía, a continuación haremos mención a aquellos más relevantes:

• 1991 – Premio Nacional de Arquitectura, junto a Fernando Higueras por el anteproyecto de Centro de Restauraciones Artísticas (Madrid).
• 1996 – Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Artes Visuales.
• 1996 – Premio Pritzker.
• 1996 – Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos.
• 2001 – Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.
• 2003 – Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects (RIBA).
• 2006 – Medalla de Oro de la Arquitectura (CSCAE).
• 2012 – Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

PROYECTOS MÁS IMPORTANTES.

Durante su trayectoria profesional son muchas las obras y proyectos realizados a lo largo de toda su carrera profesional, aquí solo recogeremos las realizadas de mayor trascendencia.

Su obra fue amplísima y abarcó actuaciones como;

• Casa Gómez Acebo, Soto de la Moraleja (Madrid) (1966)
• Edificio Urumea, San Sebastián (1969-1973)
• Viviendas del Paseo de la Habana núm. 71, Madrid (1971)
• Ampliación de la sede principal de Bankinter, Paseo de la Castellana (Madrid) (1972-1976), junto con Ramón Bescós, considerada una de sus primera obras trascendentales, combinando lo antiguo y lo moderno.
• Ayuntamiento de Logroño (Logroño, España) (1973-81)
• Museo Nacional de Arte Romano (Mérida) (1980-85). Una destacada integración entre el mundo antiguo y la arquitectura      contemporánea. En el corazón de la Mérida romana se alza este museo y centro de estudio del arte romano.

Museo Nacional de Arte Romano. Merida.

• Edificio de la Previsión Española (Sevilla, España) (1982-1987)
• Antigua sede del Banco de España de Jaén, (Jaén, España) (1983-1988)
• Estación de ferrocarril de Atocha (Madrid) (1985-88). Rafael Moneo afrontó la primera reforma de la estación de Atocha inaugurada en 1992 para el primer AVE a Sevilla y es también el responsable de la última. “No queríamos hacer una actuación que desvirtuara la anterior. Se trataba de aumentar la capacidad sin cambiar mucho su formato, pero no hasta el extremo de usar los mismos materiales”.

Estación de Ferrocarril de Atocha.

• Edificio L’illa Diagonal en la Avenida Diagonal (Barcelona) (1986-93)
• L´Auditori (Auditorio de Conciertos) (Barcelona) (1987-99)
• Fundació Pilar i Joan Miró, (Palma de Mallorca) (1987-1992)
• Nueva terminal del aeropuerto San Pablo (Sevilla, España) (1989-92)
• Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal (San Sebastián, España) (1990-99). Su “Centro cultural y auditorio del Kursaal” en San Sebastián, descrito por Moneo como un elemento mediador entre lo natural y lo abstracto, en la línea del pensamiento oteiciano, despertó el interés de la crítica; por el giro que suponía en el trabajo del arquitecto navarro. Una obra conflictiva que supuso numerosas críticas al arquitecto, un error provocó el derrumbamiento durante la obra de la gran escalera del edificio principal (afortunadamente sin víctimas). Se ha convertido, una vez finalizada, en un icono de la ciudad. Este edificio-complejo constituye un más que logrado intento de armonizar su entorno geográfico, la desembocadura del río Urumea y la playa de Zurriola, en el Cantábrico, con la arquitectura contemporánea.

Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal.

• Museo de Arte Moderno y Arquitectura (Estocolmo) (1991-98)
• Ayuntamiento de Murcia (Murcia, España) (1991-98)
• Bodegas Julián Chivite, (Estella, España) (1991-2002)
• Museo Thyssen-Bornemisza, Palacio de Villahermosa (Madrid) (1992)
• Comedor de la Hospedería Real (Guadalupe, España) (1993-94)
• Casa de la Cultura (Don Benito, Badajoz, España) (1998)
• Edificio Audrey Jones Beck, Museo de Arte (Houston) (1992-2000)
• Hospital Materno Infantil (Maternidad de O’Donnell), (Madrid) (1996-2003)
• Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles (Los Ángeles) (1996-2002)
• Biblioteca del Campus Arenberg de la Universidad KU Leuven (Lovaina, Bélgica) (1997-2002).
• Museo de la Ciencia (Valladolid) (2001), con Enrique de Teresa.
• Reforma y ampliación del Archivo General de Navarra, (Pamplona) (2003)
• Centro de Arte y Naturaleza Fundación Beulas, (Huesca) (2006)
• Ampliación del Museo del Prado (Madrid) (2007). El entorno del madrileño Paseo del Prado es testigo privilegiado del trabajo del arquitecto navarro. En dicha área Rafael Moneo ha dejado tres de sus obras de madurez más representativas de una parte de su pensamiento: la transformación del Palacio de Villahermosa para acoger el Museo Thyssen-Bornemisza, la ampliación del Banco de España (una actuación polémica por el mimetismo formal empleado por Moneo) y la ampliación del Museo del Prado.Las tres obras mencionadas han contado con el beneplácito de los administradores públicos y del público general, pero han alejado su trabajo de la vanguardia disciplinar a la que perteneció en los años 80. La ampliación del Museo del Prado fue el resultado de un segundo concurso, tras un concurso internacional cuyo primer premio quedó desierto.

Ampliación del Museo del Prado. Madrid.

• Sede del Gobierno de Cantabria en Puertochico (Santander) (2007)
• Rehabilitación y Museo del Teatro Romano de Cartagena, (Cartagena, España) (2008)
• Nueva Biblioteca de la Universidad de Deusto – CRAI (Bilbao) (2009)
• Palacio de Congresos de Toledo (Inauguración 2009)
• Edificio Aragonia, (Zaragoza)
• Sede Confederación Hidrográfica del Guadiana, Mérida (2009)
• Teatro (Basilea, Suiza)
• Hotel y oficinas Grand Hyatt (Berlín)
• Edificio Potsdamer Platz Hotel y Office Building (Berlín)
• Ayuntamiento de Ámsterdam (Ámsterdam)
• Museo Baltasar Lobo en el castillo de Zamora
• Beirut Souks (Beirut, Líbano) (2010)
• Iglesia de Iesu (San Sebastián).
• Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Navarra.

 ENLACES Y BIOGRAFÍA DE INTERES.

• http://www.rtve.es/alacarta/videos/elogio-de-la-luz/elogio-luz-rafael-moneo-coraje-conviccion/1525590/
• http://www.gsd.harvard.edu/#/people/rafael-moneo.html
• http://www.pritzkerprize.com/laureates/1996
• http://rafael-moneo.mr926.me/
• http://arquitectospritzker.blogspot.com.es/2012/02/jose-rafael-moneo-valles.html
• http://spa.archinform.net/arch/319.htm
• http://www.march.es/videos/?p0=90&l=1
• http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=113

• Rafael Moneo 1967 – 2004.
• Rafael Moneo. Apuntes sobre 21 obras.
• AV Monografías 36. Rafael Moneo 1986 – 1992.
• DA. Documentos de Arquitectura 34. Rafael Moneo.

BIOGRAFÍA.

Juan Daniel Fullaondo Errazu nació en Bilbao el 4 de marzo de 1936 y murió en Madrid el 26 de junio de 1994, con cincuenta y ocho años de edad.

Arquitecto, profesor, escritor e historiador de la arquitectura.

Siendo estudiante en la Escuela de Arquitectura de Madrid realizó su primera obra en el estudio de los arquitectos bilbaínos Manuel Galíndez y Jesús María Chapa, y tras graduarse en 1958 empezó a colaborar con el estudio del arquitecto navarro afincado en Madrid, Francisco Javier Sáenz de Oíza, con quien colaboró en varias de sus obras como las escuelas circulares del poblado de Batán, los apartamentos-terrazas en Mallorca o las Torres Blancas de Madrid.

En 1962, a la edad de 26 años, consiguió el premio Nacional de Arquitectura con un proyecto de un teatro al aire libre que nunca llegó a erigirse.

A partir de 1963 abrió su propio despacho e inició su actividad docente en la escuela en la que estudió. En 1964 presentó su tesis doctoral que versó sobre las relaciones entre la arquitectura y la música de Arnold Schoenberg y Boulezse. Se doctoró en la Escuela de Madrid con una tesis titulada: “Relaciones entre la música y la arquitectura a través de Arnold Schoemberg”, que pone de manifiesto la concepción artístico – cultural del autor.

En el estudio de Oíza, Fullaondo conoció al constructor navarro Juan Huarte, iniciándose una relación que se materializó en la construcción de algunos proyectos en Madrid, como las oficinas HISA (1965) donde el arquitecto también se encargó del mobiliario, y la desaparecida tienda “H Muebles” (1965- 1966). La tienda constituye para Fullaondo su último ejemplo de obra orgánica, que es así como el arquitecto se refiere a la primera fase de su obra. De esta época son también, uno de los pocos encargos de su familia, el panteón Errazu en Derio (1964), las propuestas presentadas a los concursos de Palacio de la Ópera y Palacio de Exposiciones y Congresos de Madrid (1964), o el Kursaal de San Sebastián (1965).

En 1966 fue nombrado miembro del consejo de redacción de la revista Arquitectura, y contrajo matrimonio con Paloma Buigas de Dalmau, con la que tuvo dos hijos: Diego y María, también arquitectos.

A partir de 1966 el arquitecto constata un cambio en su obra, más sosegada, en base a un lenguaje endurecido, bruto que evoca las formas de la vanguardia racionalista, una actitud neo racionalista que a su juicio fue difundida por Oíza. Fue una época de estudio de la arquitectura de los años veinte y treinta, la obra del escultor Jorge Oteiza, el arte Minimal, Conceptual y Land art, y el interés hacia la obra de Giorgio De Chirico. En esta etapa, alejado de la Escuela de Arquitectura, realizó un mayor número de construcciones respecto a años anteriores, lo que supuso una madurez y profesionalización, acompañado de un mayor pragmatismo.

Además de por sus construcciones, Juan Daniel Fullaondo destaca por ser el autor de algunas de las primeras monografías que se publicaron sobre arquitectos españoles contemporáneos.

Desde 1967 y hasta 1972 dirigió la revista de arquitectura Nueva Forma. En 1976 fue nombrado miembro del comité internacional de la revista Architecture, en 1979 del Comité de Orientación de Éditions de Montieur de París, y en 1985 fue invitado por el ICOMOS (Consejo Internacional de Monumentos y Sitios) de la UNESCO para formar parte de un comité de expertos en arquitectura contemporánea.

Entre 1969 y 1972 Fullaondo, en colaboración con Olabarría y Líbano, construyó ocho grupos escolares en diferentes municipios vizcaínos: Bilbao, Durango, Markina, Santurce y Zarátamo, en los que constató una actitud neo racionalista, y su recuperación tras una temporada de poca actividad. Fullaondo consideraba que los centros escolares, donde la cultura era protagonista, era conveniente insertar un factor cultural arquitectónico. En este caso se trató de una reconsideración, reelaboración y aproximación, de la tradición moderna en España de los años treinta, que consideraba uno de los momentos más decisivos de la arquitectura, donde la arquitectura escolar había tenido una gran relevancia. Se trataba además de una tradición arquitectónica moderna que había tenido un desarrollo destacado en el País Vasco. A la vez que la economía y funcionalidad que requerían los edificios escolares eran adecuadas a la metodología racionalista.

En 1986 obtuvo la Cátedra de Proyectos Arquitectónicos III en la Escuela de Arquitectura de Madrid.

La obra de Fullaondo abarca más de un centenar de proyectos sobre diferentes tipologías arquitectónicas e intervenciones urbanas, que están repartidas por toda la geografía peninsular, especialmente en Bizkaia, a lo que habría que sumar esculturas y pinturas. Gran parte de sus obras fueron realizadas en colaboración con otros profesionales, de tal forma que trabajó con alrededor de noventa colegas. De hecho Fullaondo conoció y se relacionó con los principales protagonistas de la arquitectura de su tiempo: arquitectos, editores e historiadores, pero también con pintores y escultores. Fullaondo sentía una especial inclinación hacia la arquitectura del Movimiento Moderno, especialmente la obra de Frank Lloyd Wright, Ludwing Mies van der Rohe y el grupo de De Stijil, que tradujo en su trabajo caracterizado por una geometría desnivelada y rítmica, donde destacaba el uso reiterativo de la esfera.

Chillida y Fullaondo colaboraron en repetidas ocasiones, como en el proyecto no realizado para el faro del puerto de Bilbao en 1970, que el arquitecto calificó como el mayor fracaso de su vida profesional. Tampoco se realizó la propuesta para la Alhóndiga de la capital vizcaína que realizó en 1988 en colaboración con Oteiza y Oíza.

La crisis económica que afectó al sector a partir de mediados de los años setenta, unido la transición política, supusieron años difíciles. Fue una época de soledad y meditación para Fullando, quien ya en la Escuela de Arquitectura, adoptó una vía que calificó como realista o neorealista, ajeno a las tendencias que se estaban desarrollando en su época, colaborando con otros colegas.

La reflexión sobre la arquitectura y las artes fue constante en la obra de Fullaondo, que también estuvo impulsada por su actividad docente. El resultado fueron treinta y nueve libros, y numerosos artículos en diferentes revistas de la época, a la vez que su obra se recogió en boletines de arquitectura durante toda su trayectoria profesional. Una de sus aportaciones más destacadas fue la revista Nueva Forma (1967- 1975), editada en Madrid gracias a la financiación del constructor Juan Huarte. Los 111 números del boletín se convirtieron en una referencia del panorama arquitectónico y plástico del momento. En ellos se prestó especial interés a las vanguardias históricas, especialmente en España, y sus principales protagonistas. Las ciudades de Madrid y Bilbao también fueron objeto de diferentes estudios, iniciando así un trabajo historiográfico pionero, que desarrolló en obras posteriores, especialmente sobre la capital vizcaína. Como resultado sus estudios se han convertido en un punto de referencia para el estudio de la arquitectura española contemporánea, la ciudad y la arquitectura de Bilbao, o la escultura de Oteiza y Chillida.

PREMIOS Y GALARDONES OBTENIDOS.

De entre los numerosos premios y logros obtenidos por Juan Daniel Fullaondo, haremos mención a aquellos más relevantes:

• 1962 – Premio Nacional de Arquitectura.
• 1963 – Premio Vizcaya y Premio Pedro Asúa.
• 1986 – Cátedra de Proyectos Arquitectónicos III en la Escuela de Arquitectura de Madrid.

Javier Carvajal (Barcelona, 1926) obtuvo el título de arquitecto con Premio Extraordinario Fin de Carrera en 1953 por la Escuela de Arquitectura de Madrid. En 1955 fue pensionado de la Academia de Bellas Artes en Roma, donde vivió hasta 1957, año en el que fue nombrado Maestro académico Honoris Causa de la Academia Mondiale Degli Artisti e Profesionisti di Roma.
En 1964 construyó el pabellón de España en la Feria Mundial de Nueva York. Gracias a él obtuvo el Premio de la Fundación Rockefeller y reconocimiento internacional. En 1965 se convirtió en el primer catedrático de la Escuela de Madrid que ganaba su cátedra construyendo una arquitectura moderna.
En 1973 fue nombrado director de la Escuela de Arquitectura de Barcelona y en 1974, de la Escuela de Arquitectura de Las Palmas. Compatibilizó su labor docente con los cargos de decano del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. Desde 1976 fue catedrático de Proyectos en la Universidad de Navarra.
Entre los numerosos reconocimientos y distinciones que recibió a lo largo de su carrera profesional destacan la Medalla de Bellas Artes en la Sección de Arquitectura (1960); la Cruz de Caballero de la Orden de Isabel la Católica por servicios a la arquitectura española en el extranjero; el Premio a la Mejor Arquitectura Internacional de la Feria Mundial de Nueva York del Instituto de Arquitectos Americanos (1964); y la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio (1973). Falleció en Madrid el 14 de junio de 2013. “…Ya mi lección termina, ya no hablaré más en esta Escuela como profesor, aunque siempre podréis contar conmigo, aquí o en cualquier lugar, porque nunca quedan terminadas las tareas que los hombres emprenden.”
De su última Lección Académica. 24 de enero de 1991.

BIOGRAFÍA.

Antonio Cruz Villalón nació en Sevilla, España,  en 1948.

Antonio Cruz comenzó sus estudios de arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla durante los años 1964 a 1968, acabando la carrera y graduándose en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 1971. En ese mismo año se asocia con el también arquitecto sevillano Antonio Ortiz García, conocidos como “Cruz y Ortiz” ó más coloquialmente “Los Monchis ó Los Curros”, comenzando juntos una larga y fecunda actividad profesional en Sevilla, siendo referentes mundiales de la arquitectura desde que empezaron a trabajar juntos en los años 70 del siglo XX.. De 1968 a 1971 trabajó con los Arquitectos Rafael Moneo y Ricardo Aroca.

Antonio Cruz forma parte de una brillante familia que ha dado, por ahora, un presidente del tribunal constitucional y una consejera de obras públicas.

En 1971 realizaron, y recién acabada la carrera en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, la casa de viviendas de la calle Doña María Coronel de Sevilla. A partir de esa primera obra emblemática, Cruz y Ortiz fueron enriqueciendo y afinando su lenguaje con obras como la ampliación del Ayuntamiento de Ceuta, la estación de Santa Justa o el estadio de La Cartuja, ambos en Sevilla. Entre los numerosos premios que han recibido destaca el Nacional de Arquitectura de España de 1993. Además de España, tienen obras en Hannover, Amsterdam, Basilea y Maastricht, entre otras ciudades.

Su “racionalismo tranquilo” es patente en la estación de Santa Justa, construida entre 1987 y 1992 como terminal de trenes de alta velocidad AVE. El Estadio Olímpico de Sevilla surgió con la idea de que Sevilla se convirtiera en sede de unas olimpiadas y se concretó con la organización del Mundial de Atletismo 1999, proyectado por Cruz y Ortiz junto al ingeniero José Luis Manzanares. Presenta al exterior una apariencia horizontal conseguida al situar las pistas deportivas a un nivel inferior a las cotas naturales, lo que permite una menor altura del edificio en rasante. De manera original se diseñó la fachada sur como un gran ventanal abierto al antiguo recinto de la EXPO 92 que en palabras de sus creadores “permite durante el día la iluminación natural de su interior, a la vez que facilita una visión del graderío y la cubierta desde el exterior, transformándose por la noche en un escaparate de enormes proporciones que muestra el espectáculo que ocurre tras su paño de cristal”.

Su experiencia docente se inició en 1974-1975 como Profesor de Proyectos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla. Ha sido profesor invitado junto con su compañero Antonio Ortiz en numerosas universidades como;

• 1974-1975 Profesor de Proyectos en la ETSA Sevilla.
• 1987-1989 Profesor invitado de Proyectos del Eidgenössische Technische Hochschule (ETH), Zürich.
• 1989-1990 Profesor invitado de Proyectos de la Graduate School of Design. Harvard University.
• 1992 Profesor invitado de Proyectos en el Department of Architecture. Corell University.
• 1992-93 Profesor invitado de Proyectos en la École Polytechnique Fédérale de Lausanne (EPFL)
• 1994-1995 Profesor invitado de Proyectos en la Graduate School of Design, Harvard University.
• 1998 Profesor invitado de Proyectos, Graduate School of Design, Columbia University.
• 2000-2001 Profesor invitado, Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra.
• 2002 Kenzo Tange Visiting Design Critic, Graduate School of Design, Harvard University.
• 2004 Profesor honorario de la Universidad de Sevilla.
• 2007-12 Profesor curso taller Cátedra Blanca Universidad de Sevilla Cruz y Ortiz, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla.

PREMIOS Y CONCURSOS OBTENIDOS.

Son muy numerosos los premios obtenidos, por el Estudio Cruz y Ortiz, aquí solo señalaremos los más prestigiosos, los demás se pueden encontrar en su página web:

• 1974 Primer Premio en el Concurso de Ideas para la Sede de los Colegios Oficiales de Farmacéuticos, Médicos y Veterinarios de Córdoba.
• 1979 Primer Premio en el Concurso de Prototipos Escolares.
• 1984 Primer Premio en el Concurso de Ideas para la Ampliación del Ayuntamiento de Ceuta.
• 1988 Primer Premio en el Concurso de Ideas para la Ciudad Deportiva de la Comunidad de Madrid.
• Primer Premio en el Concurso de Ideas para la Estación de Autobuses de Huelva.
• 1996 Primer Premio en el Concurso del Nuevo Centro de Control de Tránsito Aéreo de Sevilla.
• Primer Premio en el Concurso de la Remodelación de la Estación de Basilea, con Giraudi & Wettstein.
• 1998 Primer Premio en el Concurso para el Pabellón de España en la Exposición Universal Hannover 2000.
• 1999 Primer Premio en el Concurso para Edificio Administrativo en el Polígono de Almanjáyar. Granada.
• 2001 Primer Premio en el Concurso para The New Rijksmuseum, Amsterdam.
• 2002 Primer Premio en el Concurso para Biblioteca de Humanidades de la Universidad de Amsterdam.
• 2005 Primer Premio en el Concurso de Ideas para la Ordenación del Llano Amarillo, Algeciras.
• 2006 Primer Premio en el Concurso de Ideas para Edificio administrativo en C/ Pablo Picasso 1. Sevilla Primer Premio en el Concurso de Ideas para facultad de Ciencias de la Educación en Sevilla. Primer Premio en el Concurso de Ideas para el Campus de Ciencias de la Salud en Granada.
• 2007 Primer Premio en el Concurso de Ideas para rehabilitación y adaptación Convento San Agustín en oficinas y hotel lujo en Sevilla.
• 2008 Primer Premio en concurso Viviendas en el Leidsche Rijn de Utrecht.
• 2010 Primer Premio en concurso para las dependencias de la Agencia General del Estado en Cádiz.

DISTINCIONES HONORÍFICAS OBTENIDAS.

A lo largo de su carrera han recibido numerosos premios, tanto dentro como fuera de Andalucía, siendo algunos de ellos los siguientes:

• 1982 Premio Ciudad de Sevilla a obras de nueva planta por la obra de Viviendas en la calle Lumbreras, otorgado por el Ayuntamiento hispalense.
• 1993 Premio Nacional de Arquitectura Española por la Estación de Ferrocarriles de Santa Justa en Sevilla, otorgado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España y el Ministerio de Obras Públicas, Transportes y Medio Ambiente
• 1997 Medalla de Oro de Andalucía, otorgado por la Junta de Andalucía y el Parlamento de Andalucía por el conjunto de su obra.
• 1998 Premio Nacional de Deporte 1998. Premio Nacional de Arquitectura Deportiva, otorgado por el Consejo Superior de Deporte por el Estadio Olímpico de Sevilla.

PROYECTOS MÁS IMPORTANTES.

Durante su trayectoria profesional son muchas las obras y proyectos realizados a lo largo de toda España y Europa, por el estudio Cruz y Ortiz, tanto en construcción de viviendas como en otro tipo de edificios, aquí solo recogeremos las realizadas de mayor trascendencia, el resto se encuentran relacionadas en su página web.

Su obra fue amplísima y abarcó actuaciones como;

• Edificio de la Biblioteca Pública del Estado-Biblioteca Provincial ‘Infanta Elena’ de Sevilla La arquitectura como contenedor de la cultura. La biblioteca pública de Sevilla, obra del estudio de arquitectos Cruz y Ortiz, constituye un espléndido reservorio de libros.
• Estación de Santa Justa. El estudio de arquitectos Cruz y Ortiz fue el encargado de proyectar esta estación, que debía albergar en Sevilla la primera línea de ferrocarril de alta velocidad de España.
• Adaptación para Archivo histórico provincial de la Casa de las Cadenas en Cádiz. 1981-1986.
• Viviendas en Carabanchel.1986-1989.
• Puerto marítimo de Chipiona. 1994-1995
• Estadio Municipal de Chapín de Jerez de la Frontera y mejora y ampliación del mismo en 1999.
• Estadio de la Cartuja (Sevilla)
• Ampliación de la estación de ferrocarril SBB de Basilea (Suiza)
• Estadio de la Comunidad de Madrid, estadio de la Peineta.1989
• Estación de autobuses de Huelva. 1990
• Edificio de viviendas de la calle Doña María Coronel (Sevilla)
•  Remodelación y ampliación de la estación de ferrocarril de Basilea. 1997.
• Pabellón de España en la Expo de Hannover 2000. 1998-2000.
•  (2003-2013) Reforma y renovación del Rijksmuseum de Ámsterdam. 2003-2013

Con el estudio Cruz y Ortiz, Antonio Cruz fue asimismo autor de numerosos proyectos que se encuentran descritos en el Blog Cruz y Ortiz.

ENLACES Y BIOGRAFÍA DE INTERES.

• http://www.cruzyortiz.com/
• http://sevillanosilustres.wikispaces.com/Antonio+Cruz+Villal%C3%B3n

• Arquitectura Española Contemporánea, 1975 – 1990, volumen II; Richard Levene, Fernando Márquez Cecilia y Antonio Ruiz Barbarín. El Croquis Editorial, Madrid, 1989.
• La Arquitectura contemporánea en Sevilla – De Lupiáñez a las Setas.

BIOGRAFÍA.

Antoni Gaudí i Cornet nació en Reus, Tarragona, un 25 de Junio de 1852.

Los orígenes familiares de Gaudí se remontan al sur de Francia, en Auvernia, desde donde uno de sus antepasados, Joan Gaudí, vendedor ambulante, pasó a Cataluña en el siglo XVII. Se desconoce el lugar exacto del nacimiento de Gaudí, ya que no se conserva ningún documento que lo especifique, existiendo una controversia entre Reus y Riudoms (dos municipios vecinos y colindantes de la comarca del Baix Camp) sobre la localidad natalicia del arquitecto.

Gaudí sintió un gran aprecio por su tierra natal, lo que evidenciaba en su gran mediterraneísmo, hecho que influyó notablemente en su arquitectura: Gaudí decía que los pueblos mediterráneos tienen un sentido innato del arte y el diseño, que son creativos y originales, mientras que los pueblos nórdicos son más técnicos y repetitivos. En palabras del propio Gaudí:

”Nosotros poseemos la imagen. La fantasía viene de los fantasmas. La fantasía es de la gente del Norte. Nosotros somos concretos. La imagen es del Mediterráneo. Orestes sabe adónde va, mientras que Hamlet divaga perdido entre dudas”.^[

Realizó sus primeros estudios en el parvulario del maestro Francesc Berenguer, padre del que sería uno de sus principales colaboradores, y luego pasó a los Escolapios de Reus; destacó en dibujo, colaborando con el semanario El Arlequín.[] También trabajó durante un tiempo como aprendiz en la fábrica textil “Vapor Nou” de Reus. En 1868 se trasladó a Barcelona para cursar enseñanza media en el Convento del Carmen de la ciudad condal. En su adolescencia estuvo cercano al socialismo utópico, realizando junto con dos compañeros de estudios, Eduard Toda i Güell y Josep Ribera i Sans, un proyecto de restauración para el Monasterio de Poblet que lo convertiría en un falansterio utópico-social.

Entre 1875 y 1878 realizó el servicio militar en el Arma de Infantería en Barcelona, siendo destinado a Administración Militar. Pasó la mayor parte del tiempo rebajado de servicio a causa de su salud, por lo que pudo continuar con los estudios.

Cursó arquitectura en la Escuela de la Llotja y en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, donde se graduó en 1878. Junto a las asignaturas de arquitectura asistió a clases de francés y cursó algunas asignaturas de Historia, Economía, Filosofía y Estética. Su expediente académico fue regular, con algún que otro suspenso; Gaudí se preocupaba más de sus propios intereses que de las asignaturas oficiales. Elies Rogent, director de la Escuela de Arquitectura de Barcelona, dijo en el momento de otorgarle el título:

”Hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá”.

Para pagarse la carrera, Gaudí trabajó como delineante para diversos arquitectos y constructores, como Leandre Serrallach, Joan Martorell, Emili Sala Cortés, Francisco de Paula del Villar y Lozano y Josep Fontserè. Quizá por eso, al recibir el título, Gaudí, con su irónico sentido del humor, comentó a su amigo el escultor Llorenç Matamala:

”Llorenç, dicen que ya soy arquitecto”.

Sus primeros proyectos fueron los de las Farolas para la Plaza Real, el proyecto irrealizado de Kioskos Girossi y la Cooperativa Obrera Mataronense. Con su primer encargo importante, la Casa Vicens, Gaudí empieza a adquirir renombre, y recibe encargos cada vez de mayor envergadura. En la Exposición Universal de París de 1878 Gaudí expuso una vitrina realizada para la Guantería Comella. El diseño modernista, a la vez funcional y estético de dicha obra, impresionó al industrial catalán Eusebi Güell que, a su regreso, contactó con el arquitecto para encomendarle varios proyectos que tenía en mente. Comenzó así una larga amistad y un fructífero mecenazgo que dio origen a algunas de las más destacadas obras de Gaudí: las Bodegas Güell, los Pabellones Güell, el Palacio Güell, el Parque Güell y la Cripta de la Colonia Güell. Asimismo, se relacionó con el marqués de Comillas, suegro del conde Güell, para el que realizó El Capricho de Comillas.

En 1883 aceptó hacerse cargo de continuar las recién iniciadas obras del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia. Gaudí modificó totalmente el proyecto inicial, convirtiéndola en su obra cumbre, conocida y admirada en todo el mundo. A partir de 1915 se dedicó casi por completo a este proyecto, hasta que murió. Gaudí comenzaba a recibir cada vez más encargos, por lo que, al trabajar en varias obras a la vez, tuvo que rodearse de un amplio equipo de profesionales de todos los campos relacionados con la construcción; en su estudio se formarían numerosos arquitectos que con el tiempo alcanzarían un puesto de renombre en el sector, como Josep Maria Jujol, Joan Rubió, Cèsar Martinell, Francesc Folguera y Josep Francesc Ràfols. En 1885, para escapar de la epidemia de cólera que asolaba Barcelona, Gaudí pasó una estancia en Sant Feliu de Codines, residiendo en la casa de Francesc Ullar, al que en agradecimiento diseñó una mesa de comedor.

Uno de los acontecimientos de la época para la capital catalana, y que sirvió de punto de partida para el modernismo, fue la Exposición Universal de 1888, donde los principales arquitectos del momento expondrían sus mejores obras. Gaudí participó con el edificio de la Compañía Trasatlántica, y recibió un encargo para reestructurar el Salón de Ciento del Ayuntamiento de Barcelona, que finalmente no se llevó a cabo. En los primeros años 1890 recibió dos encargos fuera de Cataluña: el del Palacio Episcopal de Astorga y el de la Casa Botines en León. Así, la fama y el prestigio del arquitecto reusense se iba extendiendo por toda España. En 1891 viajó a Málaga y Tánger para examinar el terreno de un proyecto para unas Misiones Católicas Franciscanas, que le había encargado el 2º marqués de Comillas; el proyecto no se efectuó, pero las torres proyectadas para las Misiones le sirvieron a Gaudí como modelo para las torres de la Sagrada Familia.

En 1899 se hizo socio del Cercle Artístic de Sant Lluc, sociedad artística de corte católico fundada en 1893 por el obispo Josep Torras i Bages y los hermanos Josep y Joan Llimona. También se afilió a la Lliga Espiritual de la Mare de Déu de Montserrat, entidad catalanista igualmente de signo católico. Se evidencia así el carácter conservador y religioso de su pensamiento político, vinculado a la defensa de la identidad cultural del pueblo catalán. Pese a la aparente contradicción entre los ideales utópicos de su juventud y su posterior adscripción a posiciones más conservadoras, la evolución puede resultar natural si tenemos en cuenta la profunda espiritualidad del arquitecto; en palabras de Cèsar Martinell;

 “sustituyó la filantropía laicista por la caridad cristiana”.

El principio de siglo encontró a Gaudí embarcado en numerosos proyectos, en los que se evidenciaba el cambio de su estilo, cada vez más personal e inspirado en la naturaleza. En 1900 recibió el premio al mejor edificio del año por la Casa Calvet, otorgado por el Ayuntamiento de Barcelona. Durante la primera década del siglo se ocupa de proyectos como la Casa Figueras, más conocida como Bellesguard, el Parque Güell, proyecto de urbanización que no tuvo éxito, y la restauración de la Catedral de Santa María de Palma de Mallorca, para la que realizó varios viajes a la isla. Entre 1904 y 1910 construye la Casa Batlló y la Casa Milà, dos de sus obras más emblemáticas.

La fama de Gaudí iba en aumento, provocando por ejemplo que en 1902 el pintor Joan Llimona escogiese la fisonomía de Gaudí para representar a San Felipe Neri en las pinturas del crucero de la iglesia de San Felipe Neri de Barcelona. Ese año funda con Joan Santaló, hijo de su amigo el doctor Pere Santaló, una sociedad dedicada al forjado de hierro, que fracasó.

Desde su traslado a Barcelona, Gaudí había cambiado a menudo de domicilio: en su época de estudiante vivió de pensión, generalmente en la zona del Barrio Gótico; al iniciar su carrera, pasó a diversos pisos de alquiler en la zona del Eixample. Por fin, en 1906 se instaló en una casa de propiedad, en el Parque Güell, construida por su ayudante Francesc Berenguer como casa de muestra de la urbanización; actualmente es la Casa-Museo Gaudí. Aquí vivió con su padre (fallecido en 1906 a los 93 años) y su sobrina, Rosa Egea Gaudí (fallecida en 1912 a los 36 años). Vivió en esta casa hasta 1925, pocos meses antes de su muerte, residiendo este último tiempo en el taller de la Sagrada Familia.

Uno de los sucesos que marcaron profundamente a Gaudí fueron los acontecimientos de la Semana Trágica de 1909; Gaudí permaneció ese tiempo recluido en su casa del Parque Güell, pero debido al ambiente anticlerical y a los atentados contra iglesias y conventos temió por la integridad de la Sagrada Familia –que afortunadamente no sufrió daños.

En 1910 se celebró en el Grand Palais de París una exposición dedicada a Gaudí, dentro del salón anual de la Société des Beaux-Arts de Francia. Gaudí participó a instancias del conde Güell, concurriendo con una serie de fotos, planos y maquetas en yeso de varias de sus obras. Aunque participó fuera de concurso, recibió muy buenas críticas por parte de la prensa francesa. Buena parte de esta exposición se pudo ver al año siguiente en el I Salón Nacional de Arquitectura celebrado en el Pabellón Municipal de Exposiciones del Buen Retiro de Madrid.

Mientras se celebraba la exposición de París, en mayo de 1910, Gaudí pasó una estancia de reposo en Vich, donde diseñó dos farolas de basalto y hierro forjado para la Plaza Mayor de Vic, con ocasión del centenario de Jaume Balmes. Al año siguiente también se vio obligado a pasar una temporada en Puigcerdà, a causa de unas fiebres de Malta; en ese periodo de descanso concibió la fachada de la Pasión de la Sagrada Familia. Debido a su gravedad, el 9 de junio redactó un testamento ante el notario Ramón Cantó i Figueres; por fortuna, pudo reponerse por completo.

Los años 1910 fueron duros para Gaudí, que sufrió varias desgracias: en 1912 murió su sobrina Rosa; en 1914 falleció su principal colaborador, Francesc Berenguer; en 1915 una grave crisis económica casi paraliza las obras de la Sagrada Familia; en 1916 murió su amigo Josep Torras i Bages, obispo de Vich; en 1917 se interrumpen las obras de la Colonia Güell; en 1918 falleció su amigo y mecenas, Eusebi Güell. Quizá por todo ello desde 1915 se dedica por entero a la Sagrada Familia, refugiándose en su trabajo. Gaudí confiesa a sus colaboradores:

”Mis grandes amigos están muertos; no tengo familia, ni clientes, ni fortuna, ni nada. Así puedo entregarme totalmente al Templo”.

Efectivamente, los últimos años de su vida los dedica por completo a la “Catedral de los pobres” –como es popularmente conocida–, para la que incluso llegará a pedir limosna a fin de poder continuar con las obras. Aparte de esa dedicación, realiza pocas más actividades, casi siempre relacionadas con la religión: en 1916 participó en un cursillo de canto gregoriano impartido en el Palacio de la Música Catalana por el monje benedictino Gregori M. Sunyol.

Gaudí vivió dedicado por completo a su profesión, permaneciendo soltero toda su vida. Al parecer, tan sólo en una ocasión se sintió atraído por una mujer, Josefa Moreu, maestra de la Cooperativa Mataronense, hacia 1884, pero no fue correspondido. Desde entonces Gaudí se refugió en su profunda religiosidad, en la que encontraba gran sosiego espiritual. A menudo se ha pintado la imagen de un Gaudí huraño y antipático, de bruscas contestaciones y gestos altaneros; pero la gente que lo trató más de cerca lo describió como persona afable y cortés, buen conversador y fiel con sus amigos, entre los que destacaron especialmente su mecenas, Eusebi Güell, y el obispo de Vic, Josep Torras i Bages, así como los escritores Joan Maragall y Jacint Verdaguer, el doctor Pere Santaló y algunos de sus más fieles colaboradores, como Francesc Berenguer y Llorenç Matamala.

La apariencia personal de Gaudí –de rasgos nórdicos, pelo rubio y ojos azules– sufrió una radical transformación con el paso del tiempo: de ser un joven con aspecto de “dandi” (trajes caros, pelo y barba bien arreglados, gustos de gourmet, frecuente asistencia al teatro y a la ópera, incluso visitaba las obras montado en su carruaje), pasó en su vejez a la más estricta sencillez, comiendo con frugalidad, vistiendo trajes viejos y gastados, con un aspecto descuidado, tanto que a veces lo tomaban por mendigo, como por desgracia pasó en el momento del accidente que le provocó la muerte.

Gaudí no dejó prácticamente escritos, aparte de informes técnicos de sus obras requeridos por instancias oficiales, algunas cartas a amigos (principalmente a Joan Maragall) y algún artículo periodístico. Se conservan algunas frases suyas recogidas por algunos de sus ayudantes y discípulos, principalmente Josep Francesc Ràfols, Joan Bergós, Cèsar Martinell e Isidre Puig i Boada. El único escrito dejado por Gaudí es el conocido como Manuscrito de Reus (1873-1878), una especie de diario de estudiante donde recogía diversas impresiones sobre arquitectura y decoración, exponiendo sus ideas al respecto; destacan los análisis que hizo sobre el templo cristiano y la casa solariega, así como un texto sobre ornamentación y una memoria para una mesa-escritorio.

Gaudí se reconoció siempre partidario del catalanismo, aunque nunca quiso vincularse con la política –algunos políticos como Francesc Cambó o Enric Prat de la Riba le propusieron presentarse a diputado, pero él declinó el ofrecimiento–. Aun así, tuvo diversos altercados con la policía: en 1920 fue golpeado por la misma en un tumulto formado en la celebración de los Juegos Florales; el 11 de septiembre de 1924, Día Nacional de Cataluña, durante una manifestación en contra de la prohibición del uso del catalán por parte de la dictadura de Primo de Rivera, fue arrestado por la Guardia Civil, pasando una breve estancia en el calabozo, del que salió con una fianza de 50 pesetas.

El 7 de junio de 1926 Gaudí se dirigía a la iglesia de San Felipe Neri, que visitaba a diario para rezar y entrevistarse con su confesor, mosén Agustí Mas i Folch; pero al pasar por la Gran Vía de las Cortes Catalanas, entre las calles Girona y Bailén, fue atropellado por un tranvía, que lo dejó sin sentido. Siendo tomado por un mendigo, al ir indocumentado y a causa de su aspecto descuidado, con ropas gastadas y viejas, no fue socorrido de inmediato, hasta que un guardia civil paró un taxi que lo condujo al Hospital de la Santa Cruz. Al día siguiente lo reconoció el capellán de la Sagrada Familia, mosén Gil Parés, pero ya era tarde para hacer nada por él. Murió el día 10 de junio de 1926, a los 74 años de edad, en la plenitud de su carrera. Fue enterrado el 12 de junio, con presencia de grandes multitudes que quisieron darle el último adiós, en la capilla de Nuestra Señora del Carmen de la cripta de la Sagrada Familia. En su lápida figura la siguiente inscripción:

Antonius Gaudí Cornet. Reusensis. Annos natus LXXIV, vitae exemplaris vir, eximiusque artifex, mirabilis operis hujus, templi auctor, pie obiit Barcinone dit X Junii MCMXXVI, hinc cineres tanti hominis, resurrectionem mortuorum expectant. R.I.P.

Gaudí fue el máximo representante del modernismo catalán, fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer.

Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho.

Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.

La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional, siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de los monumentos más visitados de España. Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

En su etapa de estudiante, Gaudí frecuentó diversos talleres artesanales, como los de Eudald Puntí, Llorenç Matamala y Joan Oñós, donde aprendió los aspectos básicos de todos los oficios relacionados con la arquitectura, como la escultura, la carpintería, la forja, la vidriería, la cerámica, el moldeado en yeso, etc. Asimismo, supo asimilar los nuevos avances tecnológicos, incorporando a su técnica la construcción en hierro o en hormigón armado. Todo ello se debió a la visión global que Gaudí tenía de la arquitectura como obra de diseño multifuncional, en la que debía elaborarse hasta el más mínimo detalle en un conjunto compenetrado, proporcionado. Estos conocimientos le permitieron no sólo dedicarse a sus proyectos arquitectónicos, sino diseñar igualmente todos los elementos de las obras que creaba, desde el mobiliario hasta la iluminación o los acabados en forja de hierro.

Gaudí también fue un innovador en el terreno de los oficios artesanales, ideando nuevas soluciones técnicas o decorativas con los materiales que utilizaba, como por ejemplo su forma de diseñar aplacados en cerámica hecha con piezas de desecho (“trencadís”), en combinaciones originales y fantasiosas. Para la restauración de la Catedral de Mallorca creó una nueva técnica de hacer vidrieras, consistente en yuxtaponer tres vidrios de los colores primarios –y a veces uno neutro–, variando el grueso del cristal para poder graduar la intensidad de la luz.

Asimismo, diseñó personalmente muchas de las esculturas de la Sagrada Familia, aplicando un curioso método de trabajo ideado por él: en primer lugar hacía un profundo estudio anatómico de la figura, centrándose en las articulaciones –para lo que estudió detenidamente la estructura del esqueleto humano–; a veces se servía de muñecos confeccionados con alambre para probar la postura adecuada de la figura a esculpir. En segundo lugar, realizaba fotografías de los modelos, utilizando un sistema de espejos que proporcionaban múltiples perspectivas. A continuación, hacía moldes en yeso de las figuras, tanto de personas como de animales (en una ocasión tuvo que izar un burro para que no se moviese). Sobre estos moldes modificaba las proporciones para conseguir una perfecta visión de la figura dependiendo de su ubicación en el templo (más grandes cuanto más elevadas). Por último, se esculpía en piedra.

Además de arquitecto, Gaudí fue urbanista y paisajista, procurando siempre ubicar sus obras en el entorno más adecuado, tanto natural como arquitectónico. Realizaba un profundo estudio del emplazamiento de sus construcciones, las cuales procuraba que se integrasen de una manera natural en el paisaje circundante, llegando a utilizar en numerosas ocasiones el material más común en su entorno, como la piedra pizarrosa en Bellesguard o el granito gris del Bierzo en el Palacio Episcopal de Astorga. Muchos de sus proyectos incluían jardines, como la Casa Vicens o los Pabellones Güell, o incluso eran totalmente ajardinados, como el Parque Güell o los Jardines de Can Artigas. Un ejemplo perfecto de integración en la naturaleza fue el Primer Misterio de Gloria del Rosario Monumental de Montserrat, donde el marco arquitectónico es la propia naturaleza –en este caso la roca de Montserrat–, que da cabida al grupo escultórico que decora el camino a la Santa Cueva.

Igualmente, Gaudí destacó como interiorista, encargándose personalmente de la decoración de la mayoría de sus edificios, desde el diseño del mobiliario hasta los detalles más nimios. En cada caso supo aplicar particularidades estilísticas, personalizando la decoración según el gusto del dueño, el estilo predominante del conjunto o su ubicación en el entorno, ya fuese urbano o natural, o dependiendo de su tipología, laica o religiosa –buena parte de su producción estuvo ligada al mobiliario litúrgico–. Así, desde el diseño de un pupitre para su propio despacho al comienzo de su carrera, pasando por el mobiliario diseñado para el Palacio de Sobrellano de Comillas, realizó todo el mobiliario de las casas Vicens, Calvet, Batlló y Milà, del Palacio Güell y de la Torre Bellesguard, para desembocar en el mobiliario litúrgico de la Sagrada Familia. Es de remarcar que Gaudí efectuó estudios de ergonomía para adaptar su mobiliario a la anatomía humana de la forma más óptima posible. Buena parte del mobiliario que diseñó se expone actualmente en la Casa-Museo Gaudí del Parque Güell.

Otro aspecto a destacar es la inteligente distribución del espacio, pensado para crear un ambiente de confort e intimidad en el interior de todos sus edificios. Para ello organiza el espacio en diferentes secciones o ambientes adaptados a su uso específico, mediante el empleo de tabiques, falsos techos, puertas corredizas, vidrieras o armarios de pared. Además de cuidar hasta el último detalle todos los elementos estructurales y ornamentales, se cuidaba de que sus construcciones tuviesen una perfecta iluminación y ventilación, para lo que estudiaba con detalle la orientación del edificio respecto a los puntos cardinales, así como la climatología de la zona y su encaje en el entorno natural circundante. En aquella época comenzaba la demanda de un mayor confort doméstico, con la canalización de agua, gas y luz eléctrica, elementos que Gaudí supo incorporar de forma magistral en sus construcciones. Para la Sagrada Familia, por ejemplo, llevó a cabo profundos estudios de acústica e iluminación, para optimizarlas. Gaudí decía lo siguiente respecto a la luz:

”La luz que consigue la máxima armonía es la que tiene una inclinación de 45°, pues incide en los cuerpos de modo que no es de forma horizontal ni vertical. Es la que se puede considerar luz media y da la más perfecta visión de los cuerpos y su matización más exquisita. Es la luz del Mediterráneo”.

La iluminación le sirve igualmente a Gaudí para organizar el espacio, atendiendo de forma cuidadosamente estudiada a la gradación de la intensidad lumínica para adaptarse adecuadamente a cada ambiente específico. Esto lo consigue con distintos elementos como tragaluces, vidrieras, persianas o celosías; cabe destacar en este sentido la gradación cromática utilizada en el patio de luces de la Casa Batlló para conseguir una distribución uniforme de la luz en todo el interior. Asimismo, suele orientar las casas al sur para aprovechar al máximo la luz solar.

El estilo de Gaudí.

La trayectoria profesional del arquitecto tuvo una evolución sui generis, debido a su constante investigación en el campo de la estructura mecánica de las obras. En sus inicios, Gaudí recibió cierta influencia del arte oriental (India, Persia, Japón), a través del estudio de los teóricos de la arquitectura historicista, Walter Pater, John Ruskin y William Morris. Vemos esta corriente orientalizante en obras como el Capricho de Comillas, el Palacio Güell, los Pabellones Güell o la Casa Vicens. Más tarde, sigue la corriente neogótica de moda en el momento, siguiendo los dictámenes del arquitecto francés Viollet-le-Duc. Se puede percibir en el Colegio de las Teresianas, el Palacio Episcopal de Astorga, la Casa Botines y la Casa Bellesguard, así como en la cripta y el ábside de la Sagrada Familia. Finalmente, desemboca en su etapa más personal, con un estilo naturalista, individual, orgánico, inspirado en la naturaleza, en el que realizará sus obras maestras.

Durante su época de estudiante Gaudí pudo contemplar una colección de fotografías que la Escuela de Arquitectura poseía sobre Egipto, la India, el arte persa, maya, chino y japonés, así como los monumentos islámicos españoles, los cuales le dejaron una profunda huella, sirviéndole de inspiración para muchas de sus obras. También estudió con detenimiento el libro Plans, elevations, sections and details of the Alhambra, de Owen Jones, perteneciente a la biblioteca de la Escuela. De los artes nazarí y mudéjar tomó múltiples soluciones estructurales y ornamentales que aplicó con ciertas variantes y libertad estilística a sus obras. Un aspecto a destacar que Gaudí toma del arte islámico es la indefinición espacial, la concepción del espacio sin límites estructurados; espacio que adquiere un sentido secuencial, fragmentado, a través de pequeños tabiques o huecos diáfanos, que crean separación sin suponer barreras compactas que delimiten un espacio uniformemente cerrado.

Pero sin duda el estilo que más le influyó fue el arte gótico, que a finales del siglo XIX vivía un gran renacimiento debido sobre todo a la obra teórica y restauradora de Viollet-le-Duc. El arquitecto francés propugnaba estudiar los estilos del pasado y adaptarlos al presente de una forma racional, atendiendo tanto a la razón estructural como a la ornamental. Sin embargo, para Gaudí el gótico era “imperfecto”, porque pese a la eficacia de algunas de sus soluciones estructurales era un arte que había que “perfeccionar”. En sus propias palabras:

”El arte gótico es imperfecto, está a medio resolver; es el estilo del compás, de la fórmula de la repetición industrial. Su estabilidad se basa en el apuntalamiento permanente de los contrafuertes: es un cuerpo defectuoso que se aguanta con muletas. (…) Prueba que las obras góticas son de una plástica deficiente es que producen la máxima emoción cuando están mutiladas, cubiertas de hiedra e iluminadas por la luna”.

Después de estas influencias iniciales, Gaudí desemboca en el modernismo en su época de mayor esplendor, en los años situados entre los siglos XIX y XX. En sus inicios, el modernismo encuentra la inspiración en la arquitectura historicista, ya que para los artistas modernistas la vuelta al pasado supone una reacción contra las formas industriales impuestas por los nuevos adelantos tecnológicos producidos con la Revolución industrial. La utilización de los estilos del pasado supone una regeneración moral que permite a la nueva clase dirigente, la burguesía, identificarse con unos valores que reconocen como sus raíces culturales. Asimismo, el resurgir de la cultura catalana desde mediados del siglo XIX (la Renaixença), lleva a adoptar las formas góticas como estilo “nacional” de Cataluña, con la pretensión de conjugar nacionalismo y cosmopolitismo, de integrarse en la corriente modernizadora europea.

Algunos rasgos esenciales del modernismo serán: un lenguaje anticlásico heredero del romanticismo, con tendencia a un cierto lirismo y subjetivismo; vinculación decidida de la arquitectura con las artes aplicadas y los oficios artísticos, creando un estilo remarcadamente ornamental; utilización de nuevos materiales, creando un lenguaje constructivo mixto y rico en contrastes, buscando el efecto plástico del conjunto; fuerte sentimiento de optimismo y fe en el progreso, que produce un arte exaltado y enfático, reflejo del clima de prosperidad del momento, sobre todo en la clase burguesa.

La arquitectura de Gaudí no cabe dentro del modernismo, mientras que todo el modernismo cabe perfectamente dentro de la obra de Gaudí.

Gaudí suele ser considerado el gran maestro del modernismo catalán, pero su obra va más allá de cualquier estilo o intento de clasificación. Es una obra personal e imaginativa que encuentra su principal inspiración en la naturaleza. Gaudí estudió con profundidad las formas orgánicas y anárquicamente geométricas de la naturaleza, buscando un lenguaje para poder plasmar esas formas en la arquitectura. Algunas de sus mayores inspiraciones vendrán de la montaña de Montserrat, las cuevas de Mallorca, la Cueva del Salnitre (Collbató), los riscos de Fra Guerau en la sierra de Prades cerca de Reus, la montaña de Pareis al norte de Mallorca o Sant Miquel del Fai en Bigas, todos ellos lugares visitados por Gaudí.

Este estudio de la naturaleza se traduce en el empleo de formas geométricas regladas como son el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide, que reflejan exactamente las formas que Gaudí encuentra en la naturaleza. Las superficies regladas son formas generadas por una recta, denominada generatriz, al desplazarse sobre una línea o varias, denominadas directrices. Gaudí las halló en abundancia en la naturaleza, como por ejemplo en juncos, cañas o huesos; decía que no existe mejor estructura que un tronco de árbol o un esqueleto humano. Estas formas son a la vez funcionales y estéticas, y Gaudí las emplea con gran sabiduría, sabiendo adaptar el lenguaje de la naturaleza a las formas estructurales de la arquitectura. Gaudí asimilaba la forma helicoidal al movimiento, y la hiperboloidal a la luz. Decía lo siguiente sobre las superficies regladas:

”Los paraboloides, hiperboloides y helicoides, variando constantemente la incidencia de la luz, tienen una riqueza propia de matices, que hacen innecesaria la ornamentación y hasta el modelaje”.

Otro de los elementos empleados profusamente por Gaudí es la curva catenaria. Gaudí había estudiado en profundidad la geometría cuando era joven, leyendo numerosos tratados sobre ingeniería que alababan las virtudes de la utilización de la curva catenaria como elemento mecánico, que sin embargo entonces sólo se usaba en la construcción de puentes suspendidos; Gaudí fue el primero en utilizar este elemento en la arquitectura común. La utilización de arcos catenarios en obras como la Casa Milà, el Colegio de las Teresianas, la cripta de la Colonia Güell o la Sagrada Familia permite a Gaudí dotar a sus estructuras de un elemento de gran resistencia, ya que la catenaria distribuye regularmente el peso que soporta, sufriendo únicamente fuerzas tangenciales que se anulan entre ellas.

Con todos estos elementos, Gaudí pasó de la geometría plana a la espacial, la geometría reglada. Además, estas formas constructivas se avenían muy bien a un tipo de construcción sencilla y de materiales baratos, como el ladrillo: Gaudí utilizó con asiduidad el ladrillo unido con argamasa, en capas superpuestas, como en la tradicional bóveda catalana tabicada. Esta búsqueda de nuevas soluciones estructurales tuvo su culminación entre los años 1910 y 1920, cuando experimentó de forma práctica todas sus investigaciones en su obra cumbre: la Sagrada Familia. Gaudí concibió dicho templo como si fuese la estructura de un bosque, con un conjunto de columnas arborescentes divididas en diversas ramas para sustentar una estructura de bóvedas de hiperboloides entrelazados. Las columnas las inclinó para recibir mejor las presiones perpendiculares a su sección; además, les dio forma helicoidal de doble giro (dextrógiro y levógiro), como en las ramas y troncos de los árboles. Esta ramificación crea una estructura hoy denominada fractal que, junto con la modulación del espacio, que lo subdivide en pequeños módulos independientes y autosustentantes, crea una estructura que soporta perfectamente los esfuerzos mecánicos de tracción sin la necesidad de utilizar contrafuertes, como requería el estilo gótico. Gaudí logró así una solución racional y estructurada, perfectamente lógica y adaptada a la naturaleza, creando al mismo tiempo un nuevo estilo arquitectónico, original y sencillo, práctico y estético.

Esta nueva técnica constructiva permite a Gaudí realizar su mayor afán arquitectónico, perfeccionar y superar el estilo gótico: las bóvedas de hiperboloides tienen su centro donde las góticas tenían la clave, con la salvedad de que el hiperboloide permite crear un hueco en ese espacio, un vacío que deja el paso de la luz natural. Asimismo, en la intersección entre las bóvedas, donde las góticas tenían los nervios, el hiperboloide permite nuevamente la apertura de pequeños vanos, que Gaudí aprovecha para dar la sensación de un cielo estrellado.

Esta visión orgánica de la arquitectura se complementa en Gaudí con una singular visión espacial que le permitía concebir sus diseños arquitectónicos de forma tridimensional, contrariamente a la bidimensionalidad del diseño en plano de la arquitectura tradicional. Gaudí decía que había adquirido este sentido espacial de niño, viendo los diseños que hacía su padre para las calderas y alambiques que fabricaba. Debido a esta concepción espacial Gaudí siempre prefirió trabajar sobre moldes y maquetas, o incluso ir improvisando sobre el terreno a medida que la obra avanzaba; reacio a dibujar planos, en raras ocasiones elaboró croquis de sus obras, tan sólo cuando se lo requerían instancias oficiales.

Una de sus muchas innovaciones en el terreno técnico fue la utilización de una maqueta para el cálculo de estructuras: para la iglesia de la Colonia Güell construyó en un cobertizo junto a las obras una maqueta a gran escala (1:10), de cuatro metros de altura, donde instaló un montaje confeccionado con unos cordeles de los que pendían saquitos rellenos de perdigones. En un tablero de madera fijado en el techo dibujó la planta de la iglesia, y de los puntos sustentantes del edificio –columnas, intersección de paredes– colgó los cordeles (para los funiculares) con los sacos de perdigones (para las cargas), que así suspendidos daban la curva catenaria resultante, tanto en arcos como en bóvedas. De aquí sacaba una fotografía, que una vez invertida daba la estructura de columnas y arcos que Gaudí estaba buscando. Sobre estas fotografías Gaudí pintaba, con gouache o pastel, el contorno ya definido de la iglesia, remarcando hasta el último detalle del edificio, tanto arquitectónico como estilístico y decorativo.

La posición de Gaudí dentro de la Historia de la Arquitectura supone la de un gran genio creador que, inspirándose en la naturaleza, creó un estilo propio, de gran perfección técnica a la vez que un cuidado valor estético, marcado por el sello de su fuerte personalidad. Sus innovaciones estructurales, que suponen en cierta medida la superación de los estilos anteriores, desde el dórico hasta el barroco, pasando por el gótico, principal fuente de inspiración del arquitecto, podría considerarse que representan la culminación de los estilos clásicos, que Gaudí reinterpreta y perfecciona. Así Gaudí supera el historicismo y eclecticismo de su generación, pero sin llegar a conectar con otras corrientes de la arquitectura del siglo XX, que con sus postulados racionalistas derivados de la Escuela de la Bauhaus supondrá una evolución antitética a la iniciada por Gaudí, hecho que marcará el menosprecio y la incomprensión inicial hacia la obra del arquitecto modernista.

Otro de los factores de la inicial caída en el olvido del artífice catalán es que, pese a contar en la ejecución de sus obras con numerosos ayudantes y discípulos, Gaudí no creó una escuela propia, ya que nunca se dedicó a la docencia ni dejó prácticamente escritos. Alguno de sus colaboradores siguieron sus huellas de cerca, sobre todo Francesc Berenguer y Josep Maria Jujol; otros, como Cèsar Martinell, Francesc Folguera y Josep Francesc Ràfols evolucionaron hacia el novecentismo, apartándose de la estela del maestro. Pese a ello, cierta influencia del creador de la Sagrada Familia la podemos percibir en algunos arquitectos modernistas –o que partieron del modernismo– que no tuvieron un contacto directo con Gaudí, como Josep Maria Pericas (Casa Alòs, Ripoll), Bernardí Martorell (Cementerio de Olius ) o Lluís Muncunill (Masía Freixa, Tarrasa).

Aun así, Gaudí ha dejado una profunda huella en la arquitectura del siglo XX: arquitectos como Le Corbusier se declararon admiradores de la obra del arquitecto catalán, y otros como Pier Luigi Nervi, Friedensreich Hundertwasser, Oscar Niemeyer, Félix Candela, Eduardo Torroja o Santiago Calatrava son hasta hoy día deudores del estilo iniciado por Gaudí. Frei Otto empleó formas gaudinianas en el Estadio Olímpico de Múnich. En Japón, la obra de Kenji Imai es de una evidente influencia gaudiniana, como se puede apreciar en el Memorial a los 26 mártires de Japón en Nagasaki (Premio Nacional de Arquitectura de Japón en 1962), donde destaca el uso del famoso “trencadís” del arquitecto reusense. Por otro lado, la labor docente e investigadora llevada a cabo por los críticos de arte desde el año 1950 ha situado al artista en un merecido lugar de relevancia dentro de la arquitectura del siglo XX.

”La arquitectura es el primer arte plástico; la escultura y la pintura necesitan de la primera. Toda su excelencia viene de la luz. La arquitectura es la ordenación de la luz”.

PREMIOS OBTENIDOS.

• En 1900 recibió el premio al mejor edificio del año por la Casa Calvet, otorgado por el Ayuntamiento de Barcelona.

Varias de las obras de Gaudí han sido declaradas por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad: en 1984 el Parque Güell, el Palacio Güell y la Casa Milà; y en 2005 la fachada del Nacimiento, la cripta y el ábside de la Sagrada Familia, la Casa Vicens y la Casa Batlló en Barcelona, junto con la cripta de la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló.

La declaración de Patrimonio Mundial de estas obras de Gaudí supone reconocer su valor universal excepcional. Así fue razonado por la UNESCO:

• La obra de Antoni Gaudí representa una contribución creativa excepcional y notable en el desarrollo de la arquitectura y de la construcción del final del siglo XIX y de principios del siglo XX.
• El trabajo de Gaudí representa un importante intercambio de valores, estrechamente asociado a las corrientes culturales y artísticas de su tiempo representadas por el Modernismo catalán. Ha anticipado e influido sobre un buen número de formas y de técnicas que han jugado su papel en el desarrollo de la construcción moderna del siglo XX.
• La obra de Gaudí incluye varios ejemplos notables de la tipología de construcción en la arquitectura del principio del siglo XX, tanto residencial como pública, en el desarrollo de la cual ha realizado una significativa y creativa contribución.

PROYECTOS MÁS IMPORTANTES.

Sus primeras realizaciones, tanto durante su etapa de estudiante como las primeras ejecutadas al obtener el título, destacan por la gran precisión de los detalles, la utilización de la geometría superior y la preponderancia de las consideraciones mecánicas en el cálculo de estructuras.

Una vez obtenido el título de arquitecto en 1878 sus primeros trabajos fueron:

• Unas farolas para la Plaza Real en 1978. Para este encargo proyectó dos distintos tipos de farolas: una de seis brazos, de la que se instalaron dos en la plaza Real, y otra de tres, de la que también se instalaron dos en la plaza de Palacio, frente al Gobierno Civil
• El proyecto irrealizado de Kioscos Girossi.
• La Cooperativa “La Obrera Mataronense”, que fue el primer proyecto de envergadura de Gaudí, en el que trabajó de 1878 a 1882. El proyecto constaba de una fábrica, un barrio de casas para los obreros, un casino y un edificio de servicios, de los que finalmente sólo se llevaron a cabo la fábrica y el edificio de servicios. En la nave de la fábrica Gaudí utilizó por primera vez el arco catenario, también aplicó por primera vez, en el edificio de servicios, la decoración en azulejo cerámico.
• En mayo de 1878 diseñó Gaudí una vitrina para la Guantería Esteban Comella.
• Un nuevo encargo de los Güell-López para Comillas fue el de una glorieta para la visita del rey Alfonso XII a la localidad cántabra en 1881.
• La colaboración de Gaudí con Martorell fue determinante para que éste recomendase a Gaudí para la Sagrada Familia. El famoso templo gaudiniano fue idea de Josep Maria Bocabella. En principio se encargó del proyecto el arquitecto Francisco de Paula del Villar y Lozano, que planeó la construcción de una iglesia de estilo neogótico, iniciándose las obras en 1882. Sin embargo, al año siguiente Villar renunció por desavenencias con la junta constructora, y el encargo pasó a manos de Gaudí, que reformó por completo el proyecto –salvo la parte ya construida de la cripta–. Gaudí emplearía el resto de su vida en la construcción del templo, que será la síntesis de todos sus hallazgos arquitectónicos, culminando en su etapa final.
• Entre 1883 y 1888 construyó la Casa Vicens, encargo del corredor de bolsa Manuel Vicens i Montaner. Está estructurada en cuatro niveles o plantas, con tres fachadas y un amplio jardín, con una fuente monumental de ladrillo formada por un arco parabólico encima del cual había un paso entre columnas. Una de las estancias más originales es el fumadero, donde destaca el techo en forma de cielo raso decorado con mucarnas árabes, que recuerdan el Generalife de la Alhambra de Granada.
• El mismo año de 1883 Gaudí hizo un proyecto de capilla del Santísimo Sacramento para la iglesia parroquial de San Félix de Alella.
• El Capricho, un hotelito anexo al Palacio de Sobrellano, del marqués de Comillas, en la homónima localidad cántabra. Conocido como El Capricho, fue encargado por Máximo Díaz de Quijano y construido entre 1883 y 1885. De estilo oriental, tiene planta alargada, con tres niveles y una torre cilíndrica en forma de alminar persa, revestida completamente de cerámica. El acceso presenta cuatro columnas y arcos adintelados, con capiteles decorados con pájaros y hojas de palmito, como en la Casa Vicens.
• Entre 1884 y 1887 Gaudí realizó un segundo encargo para Eusebi Güell, los Pabellones Güell de Pedralbes.
• En 1885 Gaudí recibió de parte de Josep Maria Bocabella, el promotor de la Sagrada Familia, el encargo para un altar situado en el oratorio de la familia Bocabella, al haber obtenido licencia del Papa de poder tener un altar en su domicilio privado. El altar es de caoba, con barnizado de laca, con una losa de mármol blanco en el centro para las reliquias. Tiene decoración vegetal y varios motivos religiosos.
• El Palacio Güell, entre 1886 y 1888. Gaudí recibió un nuevo encargo del conde Güell, la construcción de su casa familiar, en la calle Nou de la Rambla de Barcelona. El Palacio Güell sigue la tradición de las grandes casas señoriales catalanas como las de la calle Montcada. Gaudí diseñó una entrada monumental con unas magníficas puertas de arcos parabólicos y rejas caladas de hierro forjado, ornamentadas con el escudo de Cataluña y un yelmo con un dragón alado, obra de Joan Oñós. Destaca el recibidor interior, que tiene una altura de tres plantas; es el núcleo central del edificio, ya que está rodeado por las principales estancias del palacio, y destaca por su cubierta con doble cúpula de perfil paraboloide en el interior y cónico en el exterior, solución típica del arte bizantino. En la tribuna de la fachada Gaudí empleó un original sistema de arcos catenarios y columnas con capiteles hiperboloidales, estilo no empleado ni anterior ni posteriormente a Gaudí. Diseñó con esmero el interior del palacio, con una suntuosa decoración de estilo mudéjar, donde destacan los techos con artesonados de madera y hierro. En el tejado destacan las chimeneas, de formas geométricas, recubiertas de cerámica de vivos colores, así como la alta aguja en forma de linterna que supone el remate exterior de la cúpula del salón central, hecha igualmente de cerámica y rematada con una veleta de hierro.
• En 1888 Gaudí construyó el pabellón de la Compañía Transatlántica, con motivo de la Exposición Universal celebrada en el Parque de la Ciudadela de Barcelona, propiedad del marqués de Comillas. Lo realizó en estilo nazarí granadino, con arcos de herradura y decoración de estuco.
• El Colegio de las Teresianas entre 1888 y 1889, en la calle Ganduxer de Barcelona, encargo de San Enrique de Ossó. Siguiendo las indicaciones de las religiosas proyectó un edificio sobrio, realizado en ladrillo por fuera, y con algunos elementos de ladrillo por dentro. También incorporó a la fachada rejas de hierro forjado, uno de sus materiales preferidos, y la coronó con un conjunto de almenas. En el interior existe un pasillo que es famoso por la sucesión de arcos catenarios que contiene.
• Construcción del Palacio Episcopal en Astorga entre 1889 y 1915, encargo recibido por Joan Baptista Grau i Vallespinós. El Palacio es de aire neogótico, con una planta articulada con cuatro torres cilíndricas, rodeada por un foso. La piedra en la que está construido  es respetuosa con el entorno, en especial con la catedral que se encuentra en la inmediata vecindad, así como también con la naturaleza. El pórtico de entrada tiene tres grandes arcos abocinados, hechos con sillares separados entre sí por contrafuertes inclinados. La estructura del edificio se sustenta en pilares con capiteles decorados y en bóvedas de crucería sobre arcos ojivales de cerámica vidriada. Se remata con un almenado de estilo mudéjar. Gaudí abandonó el proyecto en 1893, a la muerte del obispo Grau, por desavenencias con el Cabildo, siendo terminado en 1915 por Ricardo García Guereta. Actualmente es Museo de los Caminos.
• La Casa de los Botines, en León entre 1891 y 1894, encargo de Simón Fernández Fernández y Mariano Andrés Luna. El proyecto de Gaudí fue un impresionante edificio de estilo neogótico, resuelto con su inconfundible estilo modernista. El edificio sirvió para albergar en sus plantas bajas los despachos y almacenes del negocio de tejidos, y disponía al mismo tiempo de viviendas en las plantas superiores. La construcción se realizó con muros de sólida cantería caliza, dispuesta en forma de almohadillado. El edificio está flanqueado por cuatro torres cilíndricas rematadas con elevadas agujas de forma cónica, hechas de pizarra, y rodeado de un foso con reja de forja. La fachada es de estilo gótico, con arcos lobulados, y tiene un reloj y una escultura de San Jorge y el dragón, obra de Llorenç Matamala. En la actualidad es la sede de Caja España.
• En 1892 recibió Gaudí  el encargo para unas Misiones Católicas Franciscanas para la ciudad de Tánger, en Marruecos. El proyecto no se llevó a cabo, cosa que Gaudí lamentó profundamente, guardando siempre consigo el boceto que realizó del conjunto. Pese a todo, este proyecto le influyó para las obras de la Sagrada Familia, especialmente en el diseño de las torres, de perfil parabólico como en las Misiones.
• En 1895 Gaudí proyectó, para la familia Güell, una capilla funeraria para el monasterio de Montserrat, obra irrealizada de la que se conocen pocos datos.
• Entre 1900 y 1909 Gaudí recibió el encargo, de parte de la viuda de Jaume Figueras, de reformar la Torre Bellesguard, en el término municipal de Sant Gervasi de Cassoles. Gaudí hizo un proyecto neogótico, respetando al máximo el edificio anterior; como siempre, procuró integrar la arquitectura en el marco natural circundante, por lo que efectuó la construcción con la piedra pizarrosa del lugar. El edificio es de planta cuadrada de 15 x 15 metros, con los vértices orientados a los cuatro puntos cardinales. Construido con piedra y ladrillo, tiene mucha más proyección vertical, ayudado por una torre troncocónica coronada con la cruz de cuatro brazos. La casa dispone de sótano, planta baja, planta noble y desván, con techo de cuatro aguas.
• Entre 1898 y 1899 Gaudí construyó la Casa Calvet, en la calle Caspe de Barcelona. La fachada es de piedra de sillería de Montjuïc, adornada con balcones de hierro forjado y rematada por dos frontones, coronados con cruces de hierro de forja. Destaca asimismo en la fachada la tribuna del piso principal, decorada con motivos vegetales y mitológicos. En este proyecto Gaudí utilizó un cierto estilo barroco, visible en el uso de columnas salomónicas, la decoración con temas florales y el proyecto de azotea con cascada y maceteros de aire rococó. Por esta obra ganó en 1900 el premio al mejor edificio del año otorgado por el Ayuntamiento de Barcelona.
• Una obra casi desconocida de Gaudí es la Casa Clapés entre 1899 y 1900, en la calle Escorial 125, encargo del pintor Aleix Clapés. Tiene tres pisos, de muros revocados y balcones de hierro colado. Por su falta de decoración o de soluciones estructurales originales se ignoró la autoría de Gaudí hasta 1976, fecha en que se hallaron los planos firmados por el arquitecto.
• El Parque Güell fue el principal proyecto de Gaudí a principios del siglo XX, entre 1900 y 1914, nuevo encargo de Eusebi Güell para construir una urbanización residencial al estilo de las ciudades-jardín inglesas. El proyecto no tuvo éxito, ya que de 60 parcelas en que se dividió el terreno sólo se vendió una. Pese a ello, se construyeron los accesos al parque y las áreas de servicios, desplegando Gaudí todo su genio arquitectónico y poniendo en práctica muchas de sus innovadoras soluciones estructurales que serán emblemáticas de su estilo organicista y que culminarán en la Sagrada Familia. El Parque Güell se sitúa en la llamada Montaña Pelada, en el barrio del Carmelo de Barcelona. Era un paraje abrupto, con fuertes desniveles que Gaudí sorteó con un sistema de viaductos integrados en el terreno. El acceso al parque tiene dos edificios, destinados a portería y administración, rodeados de un muro de mampostería y cerámica vidriada policromada. Estos pabellones de entrada son muestra de la plenitud gaudiniana, con cubiertas de bóvedas catalanas en forma de paraboloide hiperbólico. Pasados los pabellones se encuentra una escalinata que conduce a los niveles superiores, decorada con unas fuentes esculpidas donde destaca el dragón, que se ha convertido en símbolo del parque y uno de los más reconocidos emblemas de Gaudí. Esta escalinata conduce a la Sala Hipóstila, que habría servido de mercado de la urbanización, hecha con grandes columnas de orden dórico. Encima de esta sala se encuentra una gran plaza en forma de teatro griego, con el famoso banco corredizo revestido de cerámica troceada (“trencadís”), obra de Josep Maria Jujol. La casa de muestra del parque, obra de Francesc Berenguer, fue residencia de Gaudí de 1906 a 1926, y actualmente acoge la Casa-Museo Gaudí.

Parque Güell. 1900-1914. Banco corredizo.

• La restauración de la Catedral de Santa María de Palma de Mallorca entre 1903 y 1914, por encargo del obispo de esa ciudad, Pere Campins i Barceló.
• La Casa Batlló entre 1904 y 1906. Encargo de Josep Batlló i Casanovas para reformar un edificio anterior de Emili Sala Cortés de 1875, Gaudí se centró en la fachada, el piso principal, el patio de luces y la azotea, y levantó un quinto piso para el personal de servicio. La fachada se hizo con piedra arenisca de Montjuïc, tallada según superficies regladas en forma alabeada; las columnas tienen forma ósea, con representaciones vegetales. Gaudí conservó la forma rectangular de los balcones del edificio anterior con barandillas de hierro con forma de antifaz, dando al resto de la fachada una forma ondulada en sentido ascendente. Asimismo revistió la fachada con cerámica de pedazos de cristal de varios colores (“trencadís”), que Gaudí obtenía en los desechos de la vidriería Pelegrí. El patio interno se cubrió con una claraboya de cristal sostenida por una estructura de hierro con forma de doble T, que apoya en una serie de arcos catenarios. En la azotea destacan las chimeneas de formas helicoidales y rematadas por sombreretes cónicos, revestidas de vidrio transparente en su parte central y de cerámica en la superior, y rematadas por unas bolas de cristal transparente rellenas de arena de distintos colores. Culmina la fachada una bóveda formada por arcos catenarios cubiertos con dos capas de ladrillo, recubierta con cerámica vidriada en forma de escamas (en tonos amarillo, verde y azul), que recuerda el lomo de un dragón; en la parte izquierda hay una torre cilíndrica con los anagramas de Jesús, María y José, y con la cruz gaudiniana de cuatro brazos.
• En 1906 hizo el proyecto del puente sobre el Torrente de Pomeret, entre Sarrià y Sant Gervasi. Gaudí proyectó una interesante estructura compuesta de triángulos yuxtapuestos que sostendrían el entramado del puente, siguiendo el estilo de los viaductos que había realizado en el Parque Güell.
• La Casa Milà, más conocida como La Pedrera, entre  1906 y 1910, encargo de Pere Milà i Camps. Gaudí concibió la casa alrededor de dos grandes patios de forma curvilínea, con una estructura de pilares de piedra, ladrillo y hierro colado, y entramados de jácenas de hierro. Toda su fachada está realizada en piedra calcárea de Villafranca del Panadés, salvo la parte superior que está cubierta de azulejos blancos, evocando una montaña nevada. Posee un total de cinco plantas, más un desván –realizado en su totalidad con arcos catenarios– y la azotea, así como los dos grandes patios interiores, uno de planta circular y otro de planta oval. En la azotea destacan las salidas de escalera, rematadas con la cruz de cuatro brazos, así como las chimeneas, recubiertas de cerámica con unas formas que sugieren yelmos de soldados.

Casa Milá. 1906-1910.

• Iglesia para la Colonia Güell, en Santa Coloma de Cervelló, de la que sólo se construyó la cripta (conocida hoy día como Cripta de la Colonia Güell) entre 1908 y 1918.
• Las Escuelas de la Sagrada Familia construido en 1909, pequeño edificio destinado a escuela para los hijos de los obreros que trabajaban en el templo. Las Escuelas de la Sagrada Familia han sido un ejemplo en genialidad constructiva y han servido de fuente de inspiración para muchos arquitectos, por su simplicidad, resistencia, originalidad del volumen, funcionalidad y pureza geométrica.
• Desde 1915 Gaudí se dedicó prácticamente en exclusiva a su obra cumbre, la Sagrada Familia, que supone la síntesis de toda la evolución arquitectónica del genial arquitecto. Después de la realización de la cripta y el ábside, todavía en estilo neogótico, el resto del templo lo concibió en un estilo orgánico, imitando las formas de la naturaleza, donde abundan las formas geométricas regladas. El interior debía semejar un bosque, con un conjunto de columnas arborescentes inclinadas, de forma helicoidal, creando una estructura a la vez simple y resistente. La Sagrada Familia tiene planta de cruz latina, de cinco naves centrales y transepto de tres naves, y ábside con siete capillas. Ostenta tres fachadas dedicadas al Nacimiento, Pasión y Gloria de Jesús, y cuando esté concluido tendrá 18 torres. El templo dispondrá de dos sacristías junto al ábside, y de tres grandes capillas, asimismo, estará rodeado de un claustro pensado para las procesiones y para aislar el templo del exterior. Gaudí aplicó a la Sagrada Familia un alto contenido simbólico, tanto en arquitectura como en escultura, dedicando a cada parte del templo un significado religioso. Durante la vida de Gaudí sólo se completaron la cripta, el ábside y, parcialmente, la fachada del Nacimiento –de la que Gaudí sólo vio coronada la torre de San Bernabé–. A su muerte se hizo cargo de la construcción su ayudante, Domènec Sugrañes; posteriormente, ha estado bajo la dirección de diversos arquitectos, siendo Jordi Bonet i Armengol director de las obras desde 1987.

La Sagrada Familia. 1915-

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